Общий глобальный сценарий создания европейского искусства (detonator)

Detonator    18-12-2014  #109
Ответ на сообщение # 0

Кто-то может не согласился с моими идеями про перспективу. Возможно, кто-то подсчитал что в 1800-х годах ещё не знать перспективу – это перебор. Я приведу письменный источник. Но сначала поясню свою идею, почему немного неправильная перспектива, говорит о том, что ТОЧНОГО ЗАКОНА, построения линейной геометрической перспективы ещё не было.
А идея моя такая:
Точного закона перспективы ещё не было.
Причина? Особо и не нужно было – люди не знали и не понимали правильной перспективы, и неправильная перспектива никого не смущала.
Как пример: раньше люди смотрели на игрушки в фильмах вместо компьютерной графики и этого никого не смущало. Зрители не видели реализма и понимали, что лучше сделать нельзя.
Вот пример Американского фильма от Марвел 1977-го года, Невероятный Халк:
www.kinopoisk.ru/film/295732 /

А вот современные фильмы на эту же тему, от этой же компании, про этого же персонажа:
www.kinopoisk.ru/picture/1869931 /  

На картинке – мутант в полёте ломает самолёт – и это реальное видео. – не монтаж одного фото.
Но если щас показать, фильм уровнем как Халк 1977 года – люди рассмеются или придут в недоумение. А вот в 1977-м году – всех такой уровень устраивал.
Так же и с перспективой. Кривая перспектива никого не смущала – потому что она везде была кривая.
В принципе на моих разборах старых рисунков ИЗ АКАДЕМИИ (а не людей с улицы), где преподавали иностранные преподаватели, а лучшие из лучших ездили на стажировку на много лет в европу, затем ВОЗВРАЩАЛИСЬ и становились преподавателями в этой же питерской академии художеств, перспектива не совсем правильная и точная, но она уже близко к правильной и геометрической. То есть художники и преподаватели в принципе понимали как надо её рисовать, но по всей видимости законов по которым она строилась ещё НИКТО НЕ знал.
Сейчас предмет перспектива преподается ВО ВСЕХ художественных вузах, так же как и начертательная геометрия.
Я выше, по кривым рисункам выпускников академии установил, что и до 1820-х перспективу до конца ещё не понимали.
И косвенно мои догадки подтверждает книга Бочарова И., Глушакова Ю. "Кипренский", 2001-го года. В книге описывается жизнь и быт академии художеств в Петербурге. И описывается, какие предметы преподаются в ней во времена И. И. Бецкого, который был ярым поклонником (всего) западного, учил всех поступающих в академии исключительно на французском, привлёк очень много иностранцев. И при этом, невзначай, упоминается, ЧТО ПЕРСПЕКТИВА, ТАК НУЖНАЯ ХУДОЖНИКАМ, НЕ ПРЕПОДАВАЛАСЬ. 
Ну её мог знать и стажировавшийся на западе преподаватель.
Но почему на картинах вроде как ПОЧТИ правильная перспектива?
Наверное были какие: то рекомендации, что надо как то всё сужать ближе к горизонту - но как именно – этого ещё не понимали. Кстати возможно из-за отсутствия фото – этого никак нельзя было проверить. Такое мы можем увидеть и сегодня, на картинах начинающих непрофессиональных художников: они пытаются изобразить правильную перспективу, и она вроде как движется в нужном направлении – но неверна абсолютно. А если бы они это изучали в вузе – то нарисовали бы её без проблем. 



Кстати, судя по вики, художник эпохи возрождения, при помощи вырезанных из бумаги макетов зданий – воспроизвел перспективу – его эти макеты полностью сошлись с этими же реальными зданиями на заднем фоне. Это очень сложно и громоздко. А вот если сфотографировать уходящую в горизонт длинную улицу, или рельсы – то на фото, с помощью линейки и можно понять по каким законам строиться эта коварная перспектива.
ru.wikipedia.org/wiki /Брунеллески,_Филиппо
«Во Флоренции, куда он время от времени, видимо, возвращался из Рима, он расставил на улице такие сконструированные перспективы (доски с изображением Баптистерия и Собора, вида Пьяцца Синьория), силуэты которых он вырезал и которые с определенной точки зрения сливались с изображенным зданием (например, с Баптистерием).»
А ведь первые фото появились в 1830-х!!
Неудивительно, что такое изобретение сразу же применили в академиях. Идеально снимающее природу и переносящею эту природу на холст! Пейзажи и города были сфотографированы и досконально изучены! После чего были разработаны и записаны и ДОКАЗАНЫ законы линейной перспективы. Возможно было защищено несколько диссертаций на эту тему.

«Троица» считается одним из самых главных произведений, повлиявших на развитие европейской живописи. Ещё в 1568 году фреской восторгался Вазари, однако через пару лет в храме был воздвигнут новый алтарь, который закрыл её от публики, причём центральное панно этого алтаря – «Мадонну чёток», написал сам Вазари. Фреска оставалась неизвестной для следующих поколений вплоть до 1861 года, когда она была перенесена на внутреннюю стену фасада между левым и центральным входом в храм.»

Но ведь 1861-ый год – это как раз время когда фото уже придумали и распространили в массы. + время на создании этой Фрески.
ru.wikipedia.org/wiki /Мазаччо#.D0.A2.D1.80.D0.BE.D0.B8.D1.86.D0.B0
«
1827
После восьмичасовой проявки светочувствительной цинковой пластинки, покрытой слоем асфальта Жозеф Нисефор Ньепс получил одну из первых сохранившихся до наших дней светостойкую фотографию
«
ru.wikipedia.org/wiki /Хронология_фотографии
Быть может это первая фреска с правильной перспективой?? Либо были с правильной перспективой и до неё, но именно эту Троицу решили удревнить. Либо может фреска действительно старая, но в ней просто удачно была нарисована перспектива, хотя художник этого ещё не понимал
«После того, как Уго Прокаччи в 1952 году за воздвигнутым в XIX веке неоготическим алтарём обнаружил нижнюю часть фрески с изображением мощей Адама, её перенесли на старое место.» быть может именно в 1952-м дорисовали нижнюю часть и получилась правильная перспектива. Для 1861-го года, люди нарисованы конечно очень плохо. Быть может фреска была нарисована под старину. Ну вообще сама фреска нам не очень важна.
Важно то что в 1700-х -1780-х перспективу (обязательный предмет для всех художественных вузов сегодня) не преподавали
Слова как открыли перспективу в просвещенной европе: «он расставил на улице такие сконструированные перспективы (доски с изображением Баптистерия и Собора, вида Пьяцца Синьория), силуэты которых он вырезал, и которые с определенной точки зрения сливались с изображенным зданием (например, с Баптистерием).»
Что-то очень непонятное и сложное. А на досках и линии окон и скатов крыш – тоже совпали с реальными зданиями?? Как смог это всё точно угадать, в тот момент – когда перспектива ещё не была открыта?! Ведь даже на вики написано, что после такого эксперимента перспектива стала изучаться другими художниками и учеными! «За изучение перспективы взялись лучшие мастера Флоренции — Л. Гиберти (в его рельефах для Дверей Баптистерия) и Мазаччо (в своей фреске «Троица» в церкви Санта-Мария-Новелла, перспективу которой, скорее всего, разработал Брунеллески), немедленно внедрившие этот обретенный опыт познания реального мира в свои произведения.» Вот если бы законы перспективы были точно изучены – то исходя из этих законов можно было сделать такой макет.

И Так вывод: в академии художеств не преподавали перспективу в начале, а стали преподавать после изобретения фото. Не преподавали её не только в петербурге (в которой преподавали иностранцы и использовались иностранные пособия) но и ВО ВСЁМ МИРЕ.

Кстати в книге о кипренском говорится что не преподавали и АНАТОМИЮ. И опешившие исследователи – недоумевая, что как так в художественном ВУЗе, давно уже открытые сотни лет назад законы и способы обучения художников – не преподавались в таком богатом ИМПЕРАТОРСКОМ заведении с иностранными преподавателями и стажировками на западе. А просто в это время эти законы и предметы ЕЩЁ НЕ БЫЛИ ИЗУЧЕНЫ, причём не только у нас –а ВО ВСЁМ МИРЕ.
ru.wikipedia.org/wiki/%D0%9F%D0%B5%D1%80...iewer/File:Aranjuez_ (Madrid)_04.jpg  

temnyk    18-12-2014  #110
Ответ на сообщение # 109

> "Кто-то может не согласился с моими идеями про перспективу. Возможно, кто-то подсчитал что в 1800-х годах ещё не знать перспективу – это перебор. Я приведу письменный источник. Но сначала поясню свою идею, почему немного неправильная перспектива, говорит о том, что ТОЧНОГО ЗАКОНА, построения линейной геометрической перспективы ещё не было.
А идея моя такая:
Точного закона перспективы ещё не было.
Причина? Особо и не нужно было – люди не знали и не понимали правильной перспективы, и неправильная перспектива никого не смущала."

---

Правильное изображение перспективы, возможно, стали применять с изобретением камеры обскура (камера обзора). Это когда в тёмном ящике или комнате, через иголочное отверстие можно видеть на противоположной стенке (полупрозрачной бумаге, холсте) перевёрнутое изображение хорошо освещённого предмета. Вместо маленького отверстия можно вставить линзу, тогда освещённость сильная не нужна. Далее, сидя за холстом, достаточно обвести углём видимое изображение, а потом, выйдя из камеры, раскрасить его нужными красками. Будет соблюдена и перспектива и пропорции человеческого тела.
Остаётся выяснить когда стала применяться камера обскура для рисования.

...
Dimm 19-12-2014  # 110
Ответ на сообщение # 109

>Итак вывод: в академии художеств не преподавали перспективу
>в начале, а стали преподавать после изобретения фото. Не
>преподавали её не только в петербурге (в которой преподавали
>иностранцы и использовались иностранные пособия) но и ВО
>ВСЁМ МИРЕ.
>

Закон перспективы, вернее сказать некоторые его положения можно усвоить рисуя с натуры, при определённой доле внимательности и наблюдательности, но довести его до совершенства помогла не только фотография, но и геометрия. В фотографии тоже имеет место искажение, особенно в современных мыльницах все дома заваливаются. На сколько мне известно, следовать закону перспективы не просто, даже тем, кто о нём знает. Я знаю художников, которые закончили художественные институты, а рисовать в перспективе не умеют. Но я так же знаю что есть некоторые люди обладающие фотографической памятью, которые могут нарисовать человека падающего с пятого этажа, не зная о перспективе.

Перейти к следующему посту.

Вернуться к предыдущему (в нумерации форума ФиН) посту.

 Detonator    08-04-2014 ПРОДОЛЖЕНИЕ #25 - 1

 
Жан де Самсуа Огонь из серии Стихии Портрет графини М.Р. Воронцовой. 1756 год
Подождите..это заграничный портрет царской особы, и он нарисован слабо… Посмотрите на руки – они такие же кривые как у Патинира у его «кривой» богоматери.  
 
Павел I. Родился 1754 году. Это скорее примитивное рисование. Слишком огромные инопланетные глаза  
 
Grooth Georg Christoph Grand Duke Peter Fedorovich and Grand Duchess Ekaterina Alexeevna. 1745 г.
Снова заграничный портретист, людей, которые много раз бывали в Европе и видели всяких ван Эйков и Гольбейнов и их рисуют так. Условно. Неправильная анатомия. Искажение черт лица, плеч, пропорций  

Circle of Johann Jakob Mettenleiter Peter the Great shipbuilding. 1819 г.
Лувр уже создан как 25 лет. Почему это так уступает итальянским мастерам эпохи возрождения??
Я молчу про этот рисунок молодого петра первого  
 
Я всё понимаю, но почему заграничный мастер нарисовал так?  
 
Georg Khristof Grooth Portrait of the Empress Elizaveta Petrovna in a Black Masquerade Domino. 1748 г.  
   
Неизвестный художник середины XVIII века Портрет Елизаветы Петровны в молодости. Вот она примитивность! Условность! Фон просто чёрный. Освещение на теле и на лице разное. Глаза слишком огромны.  

Генрих Бухгольц Портрет императрицы Елизаветы Петровны в жемчугах. 1768 г.
В Эрмитаж завозятся картины уже как 4 года, там картины Рафаэля и заграничный мастер рисует такой царский портрет. Вы понимаете: это цари, они должны иметь лучших из лучших. Или видя, что вокруг все рисуют фотографический реализм, они довольствуются такими слабыми портретами.
 

Detonator    08-04-2014 ПРОДОЛЖЕНИЕ #25 - 2

Я всё понимаю, но почему нанимая лучших из лучших людей с запада, эти величайшие художники рисуют так:  

Иоганн Генрих Ведекинд Портрет императрицы Анны Иоанновны. Примерно 1730-е
Я всё понимаю..Но это плохой портрет.
Вот к примеру работа Леонардо Да Винчи Дама с Горностаем ,1490,:  
 
Почему Романовы видя и зная о существовании таких портретов не хотят так же как просвещенные европейцы?! Или они не понимают?! А зачем они тогда создают Эрмитажи и закупают туда же Леонардо? Ладно ну цари не понимали, но почему же именитые мастера европейские рисовали как дети, хотя они знают, что настоящие европейские мастера должны рисовать как Леонардо.
А теперь выводы. Созданный в 1764 году, закупал Леонардо Да Винчи дял себя, но сами закупающие не хотели, чтобы их рисовал как да Винчи. Просто портрета дамы с горностаем никто тогда не видел, как и ван эйков, как и Гольбейнов.
Но ведь история сохранила сведения о закупки Леонардо да Винчи в 1764-м. Но раз придворные заграничные художники того времени рисовали очень плохо и примитивно, можно предположить, что картин такого уровня, такого качества рисунка, анатомии, цвета и тона, как Дама с горностаем, в Эрмитаже ещё не было. А что же тогда Эрмитаж закупал? Особенно как выглядел тот Леонардо Да Винчи?
Быть может так:  
   
«Донна Нуда» — один из дюжины леонардесков, которые в XVIII—XIX вв. приобретались для Эрмитажа как произведения Леонардо да Винчи
Да, но эта картина всё равно лучше, чем портреты царские. И нет тут такого же стиля: черный фон, огромные глаза, черный нос 
 
Руки сделаны хорошо, ткань тоже. Волосы хорошо. Хорошо прорисован задний фон, но его могли и пририсовать. А изначально эта мадонна могла выглядеть с чёрным фоном, отсюда и странное сочетание – тело по краям как то затемняется, хотя сзади светлый фон. Отсюда, что задний фон могли пририсовать. Но это всё таки оригинал.
А вот так выглядит один из ван эйков: 
 (в форуме НХ - повторно след. рис. Робера Кампена)
Створка диптиха Робера Кампена, поступившего в Эрмитаж из татищевского собрания (приписывался Ван Эйку) Кстати у картины неправильная перспектива  
 
Георг Каспар Преннер Конный портрет императрицы Елизаветы Петровны со свитой. 1750-55 гг. 
 
Иоахим Патинир – по стилю очень похоже. 

Князь Иван Борисович Репнин (1617 — 5 июня 1697) 
 
 

Detonator    08-04-2014 ПРОДОЛЖЕНИЕ #25 - 3


27 апреля (7 мая) 1682 — 29 января (8 февраля) 1689
Софья Алексеевна Романова
Неправильная перспектива, неправильные овалы, анатомии, пропорции 

Руки похожи. Уши похожи, вообще черты лица, поворот головы 
 
маленькие руки, одинаковые черты лица. Возможно перерисовка. Это не масло. А что это? 

    
Всё один царь 1645-1656 года 
 
1613 — 13 (23) июля 1645_2
Тоже не масло. Видна перспектива(но ещё плохая), плохая анатомия. 
 
1613 — 13 (23) июля 1645_2
Очень уж примитивно 
 
Богдан Салтанов (также упоминается как Иван Иевлев(ич) Салтанов; арм. Աստվածատուր Սալթանյան; ок. 1630, Новая Джульфа — 1703, Москва) — придворный художник царя Алексея Михайловича и его преемников, главный мастер Оружейной палаты (с 1686). Автор икон, иллюстраций к рукописям, парсун. По происхождению — армянин родом из Персии.  
 

Detonator    08-04-2014 ПРОДОЛЖЕНИЕ #25 - 4

 
1613 — 13 (23) июля 1645  
 
Картина конца 1500-х  
 
Грозный

Делаем выводы, что ордынское искусство в 1600-х было слабым. Ещё только только стали отходить от иконы. Хотя возможно помимо церковного рисования было ещё и светское и оно всё уничтожено, но навряд ли

Заграничные художники тоже рисуют очень плохо и криво, даже в середине 1700-х. Это объясняется тем что они не видели ван эйков и Гольбейнов с Рафаэлями, либо игнорировали эти картины, хотя знали о их существовании.
То что они их не видели – вполне, ведь ни один музей изобразительных искусств тогда ещё не открылся. Впервые двери Лувра были открыты для публики 10 августа 1793 г.,
Но ведь это придворные художники рисующие царских особ, и царские особы покупали себе в апартаменты Рафаэлей и Гольбейнов. Вообще царская особа сама не могла нарисовать хорошо, а если художник уже чуть лучше рисовал чем царская особа – то особа очень это радовалась и хвалила художника. А вот если везде вокруг висели живописные картины с фотографическими картинами, то знатным людям, наверняка хотелось и самое главное они понимали, что рисовать не криво а фото реалистично, вполне возможно.
Возможно это только русские художники так плохо рисовали, так как они были примитивными и отсталыми от просвещённого запада. Хотя Романовы из запада везли и «просвещенных» художников, которые под действием российского климата, или по желаниям Царских особ рисовали СПЕЦИАЛЬНО плохо, либо в пол силы, так как и так покатит.
Вообще, современные историки нас уверяют что европейские художники рисовали в 1400-х годах зная всё об анатомии и перспективе. И у известных художников средних веков есть портреты знаменитых личностей. Но, что удивительно. Если погуглить этих личностей, то всегда, ВСЕГДА, найдутся результаты с очень кривыми и архаичными и примитивными рисунками и портретами этих людей. Это очень странно. Что в одном случае царская особо наняла именитого художника и он нарисовал фотореалистичный портрет, а в другом случае был нанят не пойми кто и портрет мягко говоря неудачен и примитивен.
Но вот Жанна Д'Арк, это персонаж 1430-х. умерла она в 19 лет. Навряд ли это прижизненный портрет  


1349
Альбрехт III (Albert III of Austria)
австрийский монарх (1365-1395), император Священной Римской империи. Умер 29 августа 1395 года.
Вы понимаете, что это монарх? Он может нанять лучших из лучших художников, но его портер выглядит крайне примитивно.
Но очень качественно выглядит по сравнению с увиденным здесь. Скорее всего это портрет 1700-х годов. Для примера наша царевна в профиль  


Вот портрет кардинала Гвидо Бентивольо – очень качественный фотореалистичный портрет. Но если вбить это имя в гугл. То гугл выдаст эту картинку 
 
Вполне себе такая старая картинка. Огромные инопланетные глаза - художники не знали какого размера должны быть глаза. Кстати эти 2 портрета похожи только лысиной - настолько неопределенный портрет внизу. И, повторю, все уже знали о рафаэлях и ван эйках. 

   
(William III of Orange, William Henry, Prince of Orange; голл. Willem Hendrik, prins van Oranje)
ВИЛЬГЕЛЬМ III
Вильгельм III, принц Оранский, кор. Англии. Гравюра по рис. Ж.А. Брандона
<нидерланд. Willem III Hendrik> (4/14.11.1650, Гаага - 8/19.03.1702, Лондон), принц Оранский, правитель (статхаудер) Республики Соединённых провинций (Нидерландов) (1672-1702); кор. Англии (1689-1702).

Это монарх – вы понимаете? очень странно что монарх, знакомый с прекрасными работами эпохи возрождения нанимает конюха или алкаша-который делает ему кривой портет
Вот ещё его портрет: 
 
Сказать что он кривой и непропорциональный - значит сказать ничего
 

Detonator    08-04-2014 ПРОДОЛЖЕНИЕ #25 - 5

Вот ещё: 

Выводы:Художники европы 1650-х, 1700-х не умели рисовать. Не знали и не видели «просвещенные» европейские правители фотореалистичные картины итальянских и немецких художников. Не видели они и работы Рафаэлей и Боттичелли. Эти кривые портреты соответствуют кривым портретам романовых того же времени. Из этого вывод: уровень рисунка был общим для Европы и России 
 
Как то странно что для зрелых портретов так же не был приглашён ван дейк, который вполне себе рисовал фотореалистично. И взрослого Вильгельма Оранского удовлетворяют кривые, непропорциональные примитивные протерты. Отсюда простой вывод – работы ван дейка – поздняя подделка. \как раз 1700-х, 1800-. Думаю конца 1700-х, начала 1800-х 
 
ВИЛЬГЕЛЬМ III ОРАНСКИЙ умер в 1700-м. очень криво


То, что при академии существовал приют и туда брали крепостных крестьян сирот. Затем этих сирот отправляли копировать итальянских мастеров в италию!! Это полный бред. Когда под боком был эрмитаж с кучей картин этих же итальянских мастеров. Да об этом даже упоминается и в биографии айвазовского, что копирование происходит на всех стадиях обучения! Зачем ехать в италию чтобы и там копировать на месте?! Это полный бред. Причем эрмитаж содержит даже скульптуры итальянские и даже античные 


Это исторические портреты, которые хранятся в музеях. Быть может их рисовали пятилетние дети? Своих мам и пап? Но зачем тогда им предавать такое большое значение и хранить?
А в книги рисовали тоже дети? Или делали гравюры?

Ещё выводы, которые я позже докажу: Достоевский, Пушкин не видели никаких Рафаэлей и Леонардо, и уж тем более Ван Эйков и Гольбейнов.
Достоевский, а в особенности Пушкин – представляли себе, что Российские художники и европейские приблизительно равны. Поэтому в своём произведении Достоевский упоминает плохо нарисованную, невзрачную картину.
«Пейзаж с Ацисом и Галатеей» из Дрезденской картинной галереи — одна из любимых картин Ф. М. Достоевского; её описание содержится, в частности, в романе «Бесы».

Не видел Достоевский, а уж тем более Пушкин и Фресок Сикстинских Капелл – они ещё не были созданы.
А про Рафаэлей впервые узнал в 35 лет (в 1856 году открылся Эрмитаж для публики), и то, первые рафаэли, возможно были не такими, которых мы знаем с вами сейчас. Как пример Леорденеска.

Перейти к следующему посту.

Вернуться к предыдущей части поста.

Detonator    17-06-2014  #52-1 (продолжение #52)

К примеру в русской академии художеств был такой президент(иностранец), а нарисовал его тоже именитый стало быть иностранный художник, некто Гагельганс: 
   
Плохо нарисовано? Да черный фон, черно-красное лицо.
Были представлены ещё работы этого Гагельганса, на этой выставке Пастели. Кстати больше в интернете по нему ничего не удалось найти-ещё бы-бросает тень на именитую западную школу!  
 
   
 
 
Посмотрите на собаку – и это пастель. На этих мутантов-детей. Люди не знали ни о пропорциях, ни о размерах человека.

Вот эти портреты именитых людей-нарисованы оч криво. А просто такой уровень тогда удовлетворял знать-хотя повсюду были развешены работы рафаэля и Ван эйков. А сами рмоановы – были немцами образоваными.  

Некто Барду К. В. Портрет Неизвестного. 1810-е. Холст.  
 

Detonator    17-06-2014  #52-2 (продолжение #52)


И Это Венецианов Портрет Балкашиной 1820-1821. Пергамент Пастель. Неужели кого удовлетворял такой уровень?!  

Маленькая рука. Слишком большая голова 
Ещё портретик:  


А вот некоторые научные исследования в области искусства и рисования(Обратите внимание на год):  


Когда появляются первые осмысленные исследования цвета. 1810 г  

Цвета – пока ещё «неясные и таинственные» 1776 год  


«Вновь» открытое золотое сечение в 1855.
И ещё, забегая наперед – анатомия.
А до этого Рафаэли и Ван Эйки и Ван Дэйки – рисовали без каких либо теоритических знаний и основ. У Рафаэлей и Боттичелли не было даже каких то академий и школ-они самоучки, отучившиеся на ремесленников по дереву и металлу. Там не преподавали рисунка – судя по Вазари и Вышеславцеву («История искусства в Италии» (СПб., 1883) Вышеславцев, Алексей Владимирович)  

 
 

Detonator    17-06-2014  #52-3 (продолжение #52)

Минусы пастели:
У Пастели есть огромный недостаток: она осыпается. Это вообще просто мелкий порошок.
Если художник работает в пастели небрежно, все ее достоинства исчезают. Масляные краски позволяют многократно переписывать, счищать, накладывать множество слоев; пастель же требует точности, интуитивного «чутья» по отношению к выбираемому цвету, потому что после изменить его уже чаще всего невозможно: чистый, тот самый знаменитый «мерцающий» пастельный тон таков лишь при первозданном нанесении.
Но почему то Выставка третьековки имело один зал с историческими маленькими портретами выполненными пастелью – которые нельзя было фотографировать. А в других залах -можно. Странно, да?

Очень странно что как раз в период 1700-х в конце 1700-х пастель «вдруг» становится популярной и ей рисуют все – несмотря на очевидные минусы в виде: «пастель же требует точности, интуитивного «чутья» по отношению к выбираемому цвету, потому что после изменить его уже чаще всего невозможно: чистый, тот самый знаменитый «мерцающий» пастельный тон таков лишь при первозданном нанесении.»
Заметим этих минусов нет в масле – там можно наклывать один цвет на один, по сравнению с пастелью-малсянные краски очень долговечны и прочны, у них отличный благородный цвет и тон, которые не изменяется со временем.
Но при этом пастель даёт то, что нет у темперы: «В то же время пастель позволяет удивительным образом смешивать и накладывать цвета. Лучшие пастели — это множество красочных слоев; чистых, но просвечивающих «сквозь» Отсюда — бархатистость и глубина, которая неизменно притягивает.
«
В темпере очень сложно смешивать цвета – всё сходится. Чтобы уйти от темперы, с её примитивным строением – пегмент краски (рамолотой прирлный камень) и закваска-иногда просто квас или уксус. К более сложным по изготовлению пастелям. Причем Темпера настолько не нравилась хдуожникам, что мирились с огромными минусами пастели.
Затем, как я понимаю, была создана маслянная пастель-а потмо уже и само масло- состаящая из сложных смесей природных и искуственных масле в идеальной пропорции. При этмо пигмент краски ( растертый минерал) в большинством своем такой же как и в темпере и в пастеле. Изменяется только связующее в красках.
ru.wikipedia.org/wiki/Пастель

Масляные пастели во многом отличаются от сухих пастелей, которые описываются в других статьях, и не могут использоваться в комбинации с ними. Как подразумевается названием, в масляной пастели пигмент связывается маслом, создавая плотную и маслянистую текстуру. В сравнении с мягкими пастелями выбор цветов немного ограничен и меньше градаций цвета. Однако данное средство становится все более популярным, и изготовители постепенно начинают отвечать на запрос, увеличивая цветовые диапазоны материала.
Одно из больших преимуществ масляных пастелей заключается в том, что они не требуют фиксации, что облегчает хранение; так как законченные рисунки труднее смазать. Поскольку данные пастели, можно сказать, совсем не пачкаются в отличие от мягких, то прекрасно подходят для работы вне помещений. Однако они имеют свойство плавиться при повышенной температуре, что весьма неудобно, словно рисуешь сливочным маслом; поэтому ими лучше работать в тени.
ru.wikipedia.org/wiki/  Розальба_Каррьера – дама тоже много рисовала пастелью портреты именитых людей. Прчиина этого непонятны. Ведь масло даёт гораздо больше свободы и плюсов
«В России пастель появилась в первой половине XVIII столетия, привезенная иностранными художниками. На протяжении всего XVIII века создателями произведений в этой технике были мастера так называемой россики — иностранные живописцы, работавшие в России. Они выполняли, почти исключительно, портреты на заказ. Распространение в среде русских художников техника пастели получила несколько позже. Скорый в изготовлении, исполняемый зачастую в один сеанс, пастельный портрет получил широкое распространение, стал одним из самых любимых видов заказного изображения, выполняя некоторым образом функцию фотографии. Эпоха расцвета пастельного портрета в России приходится на первую треть XIX столетия. Это связано, по-видимому, с подъемом усадебной культуры, с вошедшими в моду фамильными портретными галереями. Ведущий мастер этого времени — Карл-Вильгельм (Карл Иванович) Барду, берлинский уроженец, прославившийся, прежде всего, как автор пастельных портретов. С 1806 года Барду-младший жил в Москве, где исполнил множество портретов членов семей московского дворянства. На одном из них — «Портрет молодого человека»(1811) — запечатлен известный русский поэт пушкинского круга Е. А. Баратынский в детстве.»
Как раз в 1700-х, начинает использоваться пастель. Кстати, судя по нашим художникам как раз пастель приходит на месте темперы.
ru. wikipedia. org/ wiki/ %D0%9F%D0%B0%D1%81%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C#.D0.9F.D0.B0.D1.81.D1.82.D0.B5.D0.BB.D1.8C_.D0.B2_.D1.80.D1.83.D1.81.D1.81.D0.BA.D0.BE.D0.B9_.D0.B6.D0.B8.D0.B2.D0.BE.D0.BF.D0.B8.D1.81.D0.B8
даже по вики – художники современные пользуются пастелью лишь изредка. А в 1700-, 1800-х –повсеместно! Причем самые сложные работы-портреты царских особ! Видя где ни будь работу пастелью – надо помнить что существует 3 вида пастели-изобретенных в разное время. Сухая (самая неудобная, но с большим количеством цветов), масляная (не пачкающая, более точная (но с меньшим количеством цветов) и восковая. До выставки в третьяковке и до статьи в вики-даже не представлял, чтобыл период рисования именитых личностей – пастелью.
Современная темпера- искусственная на клею, больше похоже на гуашь, или акварель, но смешивается она как то все равно плохо. Хотя я распрашивал людей занимающейся реставрацией икон-они уверяют, что натуральная темпера и современная из магазинов в тюбиках-похожи.

В общем, так как иконы рисовали только темперой. И первые работы наших академиков тоже рисовали темперой. Затем этот период увлечения пастелью. Художники стали искать более лучший материал по сравнению с темперой. Темпера – это смесь природных пигментов (камень растертый или сажа газовая и так далее) с яйцом и замешанная на квасе.
минусы темперы:
1) очень сложный способ перехода краски! Смешивания и прозрачности.
2) Сухость и графичность темперы
3) Иногда сначала писали на клею
4) Некоторые пигменты желтели от соприкосновения с желдком
5) Темпера очень быстро высыхает (высыхает палитра и прочее)
6) И др. минусы

«Колористическая задача живописи темперой в Западной Европе не всегда, впрочем, разрешалась одним и тем же методом. Так, часто вся живопись сводилась к раскраске однотонно подготовленных форм, которые затем так или иначе расцвечивались. Прием этот перешел впоследствии к масляной живописи; им же пользовались нередко и во фреске.

Сообщая своеобразный характер живописи, описанные приемы придавали ей некоторую сухость и графичность. Присутствие их нельзя не заметить во всех произведениях живописцев, писавших темперой, —этих подлинных прерафаэлитов, создавших своеобразный стиль живописи, который вытекал из характера и свойств их живописного материала. Стиль византийских и русских иконописцев во многом обязан тому же материалу.» www.ukoha.ru/article/tempera/givopic_temperoi.htm
- вот тут много про темперу
Ещё минусы темперы: «Картина не всегда начиналась темперой — часто, прежде чем приступить к яичной живописи, писали на клею, вываривавшемся из пергамента и овечьих шкурок, причем голубые краски (лазурь) всегда разводились на клею и гумми, так как желток окрашивает их в зеленоватый цвет.»
Самый главный минус темперы – это то что она быстро высыхает. Современная искусственная темпера – за 40 минут (высыхает к примеру палитра), а яйце и квасе или вине – быть может ещё быстрее
«Быстро высыхающие краски темперы скоро теряют свою подвижность и тем затрудняют живопись. Для облегчения ее выработались особые приемы и методы, которые давали возможность с большей легкостью разрешать живописные задачи и вместе с тем использовать все ресурсы этой техники.

Приемы эти, изложение которых следует ниже, слагались веками и потому не могли не оказать впоследствии большого влияния на приемыследовавшей за темперой масляной живописи.

Естественно, что принимались меры также и для замедления высыхания красок. По словам Вазари, художник Филиппо Липпи пользовался для этой цели медом, другие — слизью улитки. Все эти ухищрения плохо достигали цели, и потому трудные в этой живописи моделировка и тушовка тела и Других форм достигались в конце концов только различными • приемами нанесения красок.

Один из них заключался в том, что моделировка форм велась штрихами, что у итальянских художников означалось термином «tratteggiare»; другой состоял в пунктировке форм заостренной кистью, что называлось «punteggiare». И то и другое делалось со вкусом и с большой ловкостью рук. Картина, исполненная таким образом и помещенная на известном расстоянии от зрителя, давала иллюзию тонких переходов из тона в тон. Штриховка эта и средневековый «пуантелизм» легко позволяют отличить темперу, крытую лаком, от масляной живописи, имеющей по внешности много общего с темперой.

Не все образцы средневековой яичной темперы носят на себе, однако, следы штрихов и пуантеляжа; имеются произведения, в которых они почти отсутствуют. Дело в том, что при нанесении красок в живописи существовали и другие приемы, с помощью которых удавалось, хотя и с большим трудом, получать довольно тонкие переходы из тона в тон, подобно тем, которые так характерны для масляных красок. Техника эта применялась, однако, в большинстве случаев лишь в произведениях с условной трактовкой форм и притом величина которых не была значительной.

Приемы, применявшиеся в живописи тела — этой труднейшей живописной задачи для темперы, — наилучшим образом выясняют сущность процессов живописи средневековой темперой и потому представляют особый интерес.
Тело во всех своих частях прежде всего раскрывалось (в лучшие времена темперы) составной краской средней силы зеленого тона. По высыхании этой общей прокладки *, называвшейся у греков «проплазмой», у русских иконописцев — «санкиром», приступали к живописи и моделировке форм.

Составленные для этой цели световые и теневые тона тела различной густоты наносились последовательно один на другой в соответственных частях его, причем границы каждого приту-шовывались к лежащему ниже тону. Этот прием отмывки, повторявшийся при каждом почти наложении нового тона, обусловливал более или менее тонкий переход из тона в тон.

"Возьми немного зеленой земли со свинцовыми белилами, хорошо приготовленными на яйце, и промажь этим два раза по всему лицу, по рукам, ногам и по всему нагому телу. Такая промазка, при изображении лиц молодых людей, должна иметь тон свежее, и для ее состава употребляются яйца городских кур, потому что у них желтки светлее, нежели у деревенских кур, которые, вследствие своего красноватого цвета, идут более для изображения старого и смуглого тела. Если для розоватых тонов ты употреблял на стенах светло-красную охру, то на доске их надо делать киноварью. И если ты начнешь работать розовым тоном, то надо брать не совершенно чистую киноварь, а подмешивать к ней немного белил. Потом, так же, как и в стенописи, составь три телесных тона, один светлей другого, чтобы употребить каждый тон в соответствующих частях лица. Подходи к зеленоватой промазке не очень близко, т. е. не так, чтобы закрыть ее, но сливай ее с темным телесным тоном и стушовывай, чтобы исчезла, как дым.

Вот тут виден этот прием. по одному слою. кладется ещё один слой (полупрозрачный!) вот и минусы!!!


www.ukoha.ru/article/tempera/givopic_temperoi.htm  - вся информация про темперу отсюда
Кстати: почему в России всплыло так много портретов этих именитых людей? Просто создается впечатление, что раз у нас так много кривых портретов именитых людей (несмотря на то что авторы – иностранцы в большинстве случаев) – это именно отсталось русской школы. А вот на западе-нету таких кривых портретов (по крайней мере в таком количестве) – значит там давно уже рисовали фотореалистично. В реале мы знаем про эти портреты благодаря Сергею Дягилеву. До своих русских недель в париже, Сергей организовывал выставки русских художников и старых, забытых художников. Поразительно – даже в 1800-х об этих крепостных художниках уже не знали! Упомиается в книге по биографии Дягилева и то, что в императорской академии проводилась выставка этих крепостных художников и показали лишь 200 работ. Из сотен учеников академии академия смогла собрать только 200 работ. Дягилев решил создать совю выставку и стал объезжать все дворцы и имения и дома чиновников ПО ВСЕЙ РОССИИ, где картины передавались из покаоления из поколения – он смог собрать тысячи работ! И был составлен каталог со всеми эти портретами. Так что всё про эти потреты и записи о них в Брокгаузене мы обязаны всего паре человек-Академия же ни как не хотела продвигать своих учеников крепостных. Академия и Эрмитаж создавались не для этого – не для продвижения русского искусства.
fb2-books.ru/7222-djagilev.html  это информация есть в книге Чернышовой-Мельник Н.Д – «Дягилев»  



 
По трад истории – масло, пастель, гуашь, акварель – появляются в эпоху возрождения – не пойми каким образом и существуют бок о бок с темперой.
По фоменко, ну и поэтому исследованию: сначала появляется темпера. Находятся пигменты для красок – природные элементы, которые потом так же будут входить и в масло и в пастель и прочее. За 500 лет в принципе рисование не очень развивается. В основном улучшается техника.
Затем в 1700-х появляются академии. Появляются сотни художников и единственное занятие этих художников – только рисовать. Высшая награда-сан академика, путешествие заграницу, и может даже жалование и звание профессора и вообще дворянский титул. Крепостные художники из шкур вон лезли, чтобы добиться этого и рисовали очень много. Для того чтобы понравится знатным особам, они же стали искать более хорошие материалы, которые бы делали более лучшие цвета и переходы между цветами. Пастель: простой материал, наподобие мела, Как правило, пастель в форме сухих красящих мелков изготавливали из увлажненной водой и доведенной до густого, мягкого тестообразного состояния смеси 3-х ингредиентов: пигмента, т. е. красящего вещества, минерального наполнителя (как правило, мела) и небольшого количества связующего средства, в большинстве случаев гуммиарабика - очень просто.
Затем были придуманы акварель и гуашь-портрет императрицы и именитых людей сделан без использовании гуаши и выглядит это как сухая пастель: очень аляповато и грязно – без тонких линий.
Акварель и гуашь – так же. На воде или воске, в современном виде-на пва.
Самые популярные — акварельные краски — замешивают на основе природного гуммиарабика (растительных смол), с добавлением пластификаторов: меда, глицерина или сахара. Это и позволяет им быть такими легкими и прозрачными. Кроме того, в акварель обязательно включат антисептик, вроде фенола, поэтому есть ее, все-таки, не стоит. Изобрели акварель вместе с бумагой в Китае, а вот в Европу эта техника пришла только в XII веке.
Гуашь по своему составу очень близка к акварельным краскам, в ней тоже пигмент замешан на водорастворимой клеевой основе. Но в цвета добавлены белила, что придает краскам плотность, сильное высветление при высыхании и бархатистую поверхность.
А вот масло самый сложный по составу Масляные краски замешивают на сохнущих маслах (чаще всего, используя специально обработанное льняное масло), алкидных смолах и сиккативе (растворителе, позволяющем краске быстрее высыхать). Используются пропорции масел – чтобы и масло и высыхало и не тускнело.
В любом случае все краски, кроме темперы-сложны в изготовлении – темперу можно было просто смешать с желктом и квасом или вином(кислой средой) и можно рисовать.
Осталось: жизнь Айвазовского, жизнь Кипренского, скульптура, анатомия, сравнения других художников и другие открытия в 1700-х 1800-х
Быть может если мы смотрим на "старую" картину из масла-1600-х годов, то этого не могло быть-так как масло ещё не изобрели

Перейти к следующему посту.

Вернуться к предыдущему (в нумерации форума ФиН) посту.

Detonator    20-06-2014  #54
Ответ на сообщение # 0

artinvestment.ru/news/exhibitions/20131219_pastel.html

«Искусство пастели» в Третьяковской галерее, так называлась выставка 

вот для этих портретов привожу название каждой работы-может нужно кому будет. Слева и справа были расположены эти таблички от портретов




...
ТотСамый #55. Дурацкий вопрос: 20-06-2014
Ответ на сообщение # 54

... а ИКОНЫ чем рисовались? Если не маслом, то ЧЕМ?
И как мы можем рассматривать теперь ДАТИРОВКИ икон?!

...
Detonator  #56. RE: Дурацкий вопрос: 20-06-2014
Ответ на сообщение # 55

Темперой они рисовались. Причём пигмент везде один и тот же: молотые минералы, сажа газовая и так далее. Различается только связующее вещество

Перейти к следующему посту.

Вернуться к предыдущему (в нумерации форума ФиН) посту.

Detonator    23-02-2015 #112

Очень любопытный британский художник разгадал секрет невероятной реалистичности картин эпохи Возрождения.
www.adme.ru/hudozhniki-i-art-proekty/sekretnoe-znanie-543505 /
Идея этого эпоса от BBC в том, что картины как бы старые, только их рисовали при помощи приспособлений, облегчающих рисование.
Некие выпуклые зеркала.

Фрагмент картины Яна Ван Эйка «Портрет Четы Арнольфини» 1434 г.
«Живопись была высокооплачиваемой работой, и естественно, все секреты бизнеса хранились в строжайшей тайне. Художнику было выгодно, чтобы все непосвященные люди считали, что секреты в руках мастера и их не украсть. Бизнес был закрытым для посторонних — художники состояли в гильдии, в ней же состояли самые разные мастера — от тех кто делал седла до тех кто делал зеркала. И в Гильдии Святого Луки (Guild of Saint Luke), основанной в Антверпене и впервые упоминаемой в 1382 году (затем подобные гильдии открылись во многих северных городах, и одной из крупнейших была гильдия в Брюгге — городе где жил Ван Эйк) тоже были мастера, изготавливающие зеркала.»
Вот так вот: зеркала эти делали ещё в 1300-х и с их помощью прекрасно рисовали.
Логика тут всё таки, какая никакая, есть. Ведь зеркала тогда уже были? Были. Ну значит при их помощи хорошо рисовали. Но тогда были и стёкла – могли бы сделать микроскоп и открыть клетки тела или телескоп и открыть атмосферу Венеры или кратеры на марсе - ведь стёкла то были!
И я уверен в будущем и эти «открытия» сделают. Что был, якобы, некий учёный в древности-который всё знал, всё умел-но никому не говорил.
Как у Хокни – бизнесс был закрытый, тайны хранились в секрете, никто об этом не знал.
Были природные элементы входящие в динамит – почему же его тогда не сделали?! Ведь все элементы были хорошо известны!
Почему не сделали и не использовали электричество? Ведь молнии же били всегда! Нет пришлось долго ждать!
Кстати про якобы сложно нарисованную люстру. Я показал эту люстру известным художникам и их ответ был таков: «что сложного в рисовании этой люстры?!»
В реале, как я доказывал выше, фотореалистичное рисование зарождалось постепенно – и зрители и заказчики картин – и не нуждались в фотореализме. Как и первые покупатели форда Т, к примеру, не желали иметь 400 л.с. под капотом, и 250 км в час скорости, климат и клиренс контроль, кондиционер и прочее. Они просто даже и не подозревали, что такое в будущем можно будет запихнуть в автомобиль.
Так же Первые заказчики картин довольствовались и кривыми изображениями людей и окружения.
Вернусь к новой хронологии. Вот ковёр из Байе. ФиН нашли на нём гороскоп, который датируется 1400-м годом. Всё – вот какое отношение было к искусству в 1400-м или позже.
chronologia.org/zodiaki_eg_eu2009/z4_027.html

«Историки считают, что ковер изготовили на юге Англии между 1066 и 1082 годами н.э. Более точных сведений о том, где именно и кем был создан ковер, кому он первоначально принадлежал, - нет. На самом деле, указанная датировка ковра целиком и полностью покоится на скалигеровской дате битвы при Гастингсе - якобы в 1066 году н.э. Она извлекается из письменных источников (в скалигеровской интерпретации) и не является независимой. Если скалигеровская хронология неверна, то и дата битвы при Гастингсе должна быть исправлена. Считается, что именно эта битва изображена на ковре и, более того, - является его главной темой. Поэтому ход рассуждений у историков был, по-видимому, предельно прост. Раз на полотнище вышита битва якобы 1066 года, следовательно (решили они), и ковер был создан примерно в это время.»
Даже по официальной истории ковер 1080-х годов
А по версии ФиН:
«Таким образом, доказано, что зодиак ковра из Байе имеет ЕДИНСТВЕННОЕ, ПРИЧЕМ ИДЕАЛЬНОЕ С АСТРОНОМИЧЕСКОЙ ТОЧКИ ЗРЕНИЯ РЕШЕНИЕ. А именно, 15 марта 1495 года н.э. Что существенно позже скалигеровской датировки ковра из Байе якобы концом XI века н.э., см. выше.»
chronologia.org/zodiaki_eg_eu2009/z4_027.html
Вот так условно изображали людей в 1495-м. То есть почти в 1500-м. Ни а каких древних картинах 1500-х годов с Босфором и речи быть не может. За 20 лет наврядли они могли освоить почти правильную, хоть и кривую анатомию, и краски и перспективу 

Это не значит, что эти картины с босфором неверны. Наоборот! Просто они были созданы гораздо позже чем 1520-ый год. Что ничуть не умиляет их значение.
Затем иконы, потом парсуны, затем небольшой отход от парсун, разработка перспективы, пропорций.
Конечно скептики скажут: «ой ну теория ФиН ненаучна! Ой да они выдумали этот гороскоп на ковре-в реале это не планеты!»
Но что делать с кривыми портретами известных политических и просто известных исторических людей 1600-х-1700-х годов??

И так: Никаких знаний по изображению людей сначала не было. Не было учебников и исследований по рисованию.
Ковер из Байе – 1500-ый год. Просто схематические лица, отсутствие пропорций, законов перспективы
1700-е года. Создание академий. Изобретение красок. Отход от темперы. Разработка пропорций – золотого сечения – это 1700-е года. На картинах в Третьяковке в старых залах 1700-е 1800-е нет воздушной перспективы! Но её описывает Леонардо да винчи! Это ориентир – сколько картин с воздушной перспективой типа старых? Кстати Боттичелли что ли – его знаменитая картина где на жемчужине женщина и дует – тоже нет воздушной перспективы. Ну и анатомия хромает.
Как утверждает Хокни – были зеркала вогнутые и выгнутые и их использовали для фоторила, но тогда ни сами заказчики, ни сами художники даже и не нуждались в фотореализме. Они даже не хотели его и никогда не видели. Как африканцы с барабанами и набедренными повязками не понимают всю прелесть рисования фотореализма или оперы. Тогда, до 1700-х, ещё никто не рисовал фотореалистичных работ, публика не знала что так можно рисовать, и ещё не была приучена к фотореализму, и не понимала его.

Даты:
1600-е года Парсуна – написанная на доске темперой. Первые попытки рисования портретов с чертами лица портретируемого. До этого рисовались схематичные иконы по одинаковым образцам

 Картина конца 1500-х
1600-е года. Гравюра

Петровские ворота Петропавловской крепости, 1716

Это художник времен петра первого

1750-1820 – изобретение акварели и гуаши (судя по названием изобретено на западе) в этот период эти краски часто и сильно используются в портретах именитых людей (в не набросочных, а парадных и официальных портретах – сейчас и портретах после 1820-х(ну настоящих а не написанных задним числом) такого встретить практически невозможно). Кстати да. По трад истории художники рисовали фотореалистичные портреты маслом до 1750-х, затем забыли масло на некоторое время и стали рисовать такой неудобной и не практичной пастелью, которую сейчас даже не преподают в художественных вузах, а затем в 1820-х снова вспомнили про масло и стали рисовать почти исключительно маслом.


1613 — 13 (23) июля 1645_2
Долго я гуглил чем это нарисовано Так же про русские старые летописи – чем нарисованы картинки – на поверхности это не лежит.– мне кажется краски на водной основе. Что то типа акварели??

К примеру третьяковка и музей Тропинина, музей Особняк Пушкина в Москве содержит огромное количество акварельных портретов, которые все до 1820-х. Их там не 2 или 3 – их десятки! Создается ощущение, что акварель была модна в то время. То есть по трад истории масло знают с 1500-х и ранее годов, но мода на менее практичные акварель, гуашь и пастель внезапно вспыхивает в конце 1700-х, в начале 1800-х, а затем исчезает и художники ВСЕ рисуют ТОЛЬКО маслом. Минусы пастели и акварели очевидны: пастель осыпается, акварель – прозрачная и нельзя один цвет накладывать на другой. На этом портрете, именитой девушки видны, как бы усы – ошибаться в портрете нельзя! Нужно рисовать точно, либо придется рисовать заново. В то вреся как масло позволяет покрывать хоть черную краску новым слоем к примеру белой краски. И по, утверждениям художников, пастель НЕ ПРЕПОДАЮТ в худ вузах, считая это НЕСЕРЬЕЗНЫМ материалом. И так же считают, что масло это самый БЛАГОРОДНЫЙ материал и самый ЛЕГКИЙ.


chronologia.org/cgi-bin/dcforum/dcboard....09&viewmode=threaded – пост на тему акварели

1750-1820
– изобретение и использование пастели, которая используется повсеместно и даже для портретов именитых людей, пастель осыпается со временем, но её использовали для портретов именитых людей.

 


(место рисунка условно) 
1763-1773 – Академиком Лосенко введены пропорции человека (никаких пособий по анатомии не существует пока) и созданы первые учебные пособия по пропорциям, которые передаются из рук в руки студентами академии художеств
chronologia.org/cgi-bin/dcforum/dcboard....90&viewmode=threaded
1776 – Моисей Харрис опубликовал первую упорядоченную цветовую диаграмму в попытке изменить тогдашний взгляд на цвета, который он назвал «неясным и таинственным»

 1800-е года. Колористика и анатомия для художников.
1810 – немецкий поэт Гёте проводит тщательные наблюдения и выпускает ПЕРВЫЙ труд о цвете «Теория цвета»

 1820-е изобретение масла. Пастель и акварель с гуашью отходит на второй план. Сейчас пастель не преподают в художественных вузах и считают несерьёзным материалом. Маслянная живопись выходит на первый план и вытесняет все другие краски становится «королевской» краской. Заметим пигменты практически во всех красках-одинаковые , как в темпере и гуаши. Меняется только связующий элемент. Судя по названию – скорее всего придумано у нас. Все художники считают масло – самой лучшей краской. Очень странно, что при этом, хотя по официальной версии маслом писали ещё в 1400-х, королевская краска отходит на второй план и модным становится акварель и пастель, а затем снова все художники наигравшись с акварелью и пастелью возвращаются к хорошо знакомой маслянной краске.

1830 -1860 – год Анатомия: Буяльский становится профессором «вновь» открытого класса по анатомии – и анатомия расцветает в академии художеств
Примерно в 1830-1840, скульптор Клодт Пётр Карлович, даёт толчок в реалистичном изображении лошадей. Он жил и работал в одном из подвалов (академии художеств). Туда он даже заводил лошадей. Там он рисовал их в самых разных ракурсах. Клодт изучил лошадь со всех её сторон и поз. Внутри его рабочего помещения было грязно, валялись комки глины, чертежи, зарисовки. Сам же барон ходил в затрапезье. Люди недоумевали: «Как барон может жить в таком убожестве?»
Одарённость и упорство Клодта принесли неожиданные дивиденды: с начала 1830-х годов большим успехом стали пользоваться его статуэтки, изображающие лошадей. До этого времени изображение лошадей – условно. (рис. условн.)
 


1840-е открытие (полное математическое) линейной перспективы. Перспектива преподается по геометрическим законам. Фото было открыто в 1830-х. Именно фото захватило сложную перспективу и смогло доказать законы перспективы. (дать ссылку на пост о фото и перспективы) В книге про Кипренского, описывая быт академии художеств в 1700-х, говорится что ПЕРСПЕКТИВА и АНАТОМИЯ НЕ ПРЕПОДАВАЛИСЬ. О чём ещё можно говорить?
chronologia.org/cgi-bin/dcforum/dcboard....08&viewmode=threaded


 Бочаров, Глушаков: Кипренский 2001 год
Даже на этой странице написано, что иностранных преподавателей в питерской академии художеств, было так много, что учащиеся с трудом говорили на русском! Хотя они были крепостными крестьянами сиротами! И эти иностранные преподаватели, да и пасионеры, побывавшие на западе – так
О чём тут ещё можно рассказывать? Все доказательства есть!
1850-е – открытие воздушной перспективы, эффект сфумато — дымки между зрителем и изображённым предметом, которая смягчает цветовые контрасты и линии. В итоге реализм в живописи перешёл на качественно новую ступень. Именно его очень много на картинах айвазовского и именно он становится известным на весь мир художником маринистом и пейзажистом (дать ссылку на пост о фото и перспективы)
chronologia.org/cgi-bin/dcforum/dcboard....98&viewmode=threaded
1855 -«Вновь» открытое золотое сечение в 1855, немецкий исследователь золотого сечения профессор Цейзинг опубликовал свой труд «Эстетическое исследования».

 В 1860 Буяльский издаёт пособие по анатомии с 6 (ШЕСТЬЮ) рисунками по анатомии. Зачем? Где пособия иностранные? Где иностранные профессора по анатомии?
1860 –х Примерно в это же время появляются и пособия по анатомии животных.

Сложно конечно найти грань….но вот на соборе русском нанесение – очень условно. Полагаю все первые попытки в скульптуре были названы древнегреческими. В общем скульптура развивается так же как и рисование.
Все картины маслом, включая именитых людей, до 1820-х: скорее всего подделки. Все картины и гравюры, с правильной анатомией и пропорциями , чем 1770-е года (академик Лосенко)– тоже скорее всего более поздние копии и подделки. Статуя Давида – очевидно позднее творчество. Я бы назвал 1830-е, 1860-е.

Откуда сотни картин Рембрадтов Ван-Эйков и прочих Леонардо? Это картины русских художников из академии художеств. Туда, до конца 1800-х, брали в основном крепостных и даже сирот, в любом случае родители отказывались от своих детей, и дети с малолетства росли в закртой академии не имея возможности выходить из неё. При этом самых одаренных отправляли на некие стажировки заграницу, которые длились иногда 10 лет! При этом государство оплачивало пребывание этих крепостных сирот за границей! Не бывалая щедрость и доброта. И при этом картин этих художников ОСТАЛОСЬ ОЧЕНЬ МАЛО.
Сироты, огромное количество времени за границей, картин мало и за границей и у нас. Где картины? При чем часто современники называли наших художников величайшими художниками своего времени и помещали их портерты на ровне с Леонардо, Микеланджело и прочими.

Detonator    23-02-2015 #112-2
(продолжение Detonator  #112)

  Все эти Хокни и прочие, пытаются доказать нам, что картины всё таки древние, просто использовали СЕКРЕТНЫЕ знания, обманы, подлоги. Но реальность такова, никакие не подлоги, просто наровне с красивыми фотореалистичными портретами известных личностей и королей, существуют примитивные кривые портреты – как короли могли одновременно быть удовлетвореными и такими кривыми работами, видя и фотореалистичные работы вокруг?
И ещё: мы видим, что именно изобретение в 1830-х годах, фотографии, толкнуло развитие рисование далеко вперёд. Так что именно фото дало огромный толчок, а не уничтожило его, как считается теперь.
Интересна эта статья с вики про лондонскую национальную галлерею:
ru.wikipedia.org/wiki/Лондонская_Национальная_галерея
«Галерея открыта 9 апреля 1839. Иногда датой основания считают май 1824, когда была приобретена коллекция из 38 картин Ангерштейна, которая послужила ядром будущей галереи. В 1824 правительство решило приобрести коллекцию банкира Ангерштейна: пять пейзажей Клода Лоррена, полотно Себастьяно дель Пьомбо «Воскрешение Лазаря», картины «Венера и Адонис» Тициана, «Похищение сабинянок» Рубенса, хогартовскую серию «Модный брак», портрет адмирала Хитфилда кисти Рейнольдса и «Деревенский праздник» Уилки.
Картины выставлялись на улице Пэлл-Мэлл в доме № 100. 2 апреля 1824 парламент постановил выделить для этой цели 57 тыс. фунтов стерлингов вместе с 3 тыс. фунтов на первые нужды галереи. Затем Джордж Бомонт пополнил коллекцию новыми картинами: пейзаж Каналетто «Дом каменотеса», композиция Уэста «Орест и Пилад», Уилки «Слепой скрипач», пейзаж Рубенса «Пейзаж с замком Стен». Число картин достигло 54.
В 1831 галерея пополнилась большим числом картин, завещанных коллекционером Холуэлл-Карром («Святой Георгий» Тинторетто, «Святое семейство» Тициана, «Святое семейство» Андреа дель Сарто, «Купающаяся в ручье женщина» Рембрандта). В 1831 в галерее насчитывалось 105 картин.
Рост галереи вызвал необходимость в создании соответствующего помещения. В 1831 началась постройка здания по проекту архитектора Уилкинса на северной стороне Трафальгарской площади. В 1838 галерея была торжественно открыта для публики.
В 1836 был издан первый каталог всего собрания в двух томах, в которых были даны гравированные воспроизведения всех 114 картин с подробным описанием каждой из них.
В 1838 по завещанию лорда Фарнбру галерея пополнилась такими картинами как «Вечер» Рубенса, «Пейзаж с закатом солнца», «Пейзаж с замком Стен», «Водопой», «Телега, едущая на рынок» Гейнсборо, «Хлебное поле» Констебла.
В 1847 Роберт Верон подарил галерее 156 картин английских художников. В 1851 после смерти художника Джозефа Маллорда Уильяма Тернера по его завещанию перешло 300 своих картин и 19 тысяч рисунков и акварелей. В 1857 приобретена коллекция Ломбарди-Бальди (картины Дуччо, Маргарито из Ареццо, Паоло Уччелло).
В 1869 галерея получила пять новых залов.
В 1875 галерея пополнилась коллекцией из 94 картин Уинна Эллиса, которые он завещал Национальной галерее. Т.о. число картин в галерее достигло тысячи.
В 1876 было построено восточное крыло галереи.
В 1884 были куплены «Мадонна Ансидеи» Рафаэля и «Конный портрет Карла I» Ван Дейка.»
Для поситителей галлерея открылась в 1839-м году, мы можем считать, что картины нарисованы примерно в это время
И давайте посмотрим на эти картины:
«Уилки «Слепой скрипач»

То есть вот европейцы видели всяких леонардо, Ван-Эйков, но в 1806-м году нарисовали так и это посчитали выдающимся искусством и забрали в галерею?
Про многочисленные копии одних и тех же картин (к примеру Джоконда Леонардо, есть в эрмитаже и она датируется 1700-ми годами) есть в этой теме
chronologia.org/cgi-bin/dcforum/dcboard....27&viewmode=threaded
«Венера и Адонис» Тициана – это увидели зрители в 1839-м году:

И что это выдающаяся картина? Где пространство, где позы, где воздух?
Это напоминает первые фото:


такой же нарисованный не естественный задник, не естественные позы, такие же размеры и пропорции в кадре, такая же перспектива, никакой динамики. К слову: собаки нарисованы криво и не к месту. И вы хотите мне сказать, что это шедевр? Это величайшее произведение? Люди любовались сотнями лет фотореалистичными картинами, но в 1839-м Лондонцы увидели это?
Кстати, обратный вывод. Почему первые фото такие убогие? Эти нарисованные задники, простые позы, никакого креатива – не позволяла фототехника? А может просто примеров креатива не было?! Ведь казалось бы: возьми и скопируй позу с какой нибудь классной картины, скопируй одежду и имидж, но нет. На старых фото, все сидят в простых нелепых позах, с нарисованными задниками:

Ещё один логичный вывод и довод в пользу того, что сейчас европейское искусство состоит в основном из поздних подделок.

elcano   #113  может все проще 27-03-2015
Ответ на сообщение # 112

и Хокни, абсолютно прав о применении стеклянных зеркал и линз!
Но со временем немного ошибается??
Вот две картины Ван Ейка датируемые 1434 годом.
 
А вот какая из этих картин ближе к 1434 году, это уж сами думайте! 

---
Detonator  #114. RE: может все проще 01-03-2015 01:10
Ответ на сообщение # 113

а почему бы не верить, специально созданному автору, который помогает держаться на плаву теории древности и превосходства запада?
Как эти картины просуществовали с 1500-х годов? Где они хранились? Ведь самый первый музей открылся только в 1799-м году (это был лувр), эрмитаж открылся в 1850-м
Картины надо регулярно реставрировать (ну по крайней мере по официальным данным) - и множество картин уже отреставрировали много раз - переносили с дерева на холст, пририсовывали что-то и так далее.
Определения года картины не существует - это делали в эрмитажах и луврах на глаз, и сейчас все эти радио углеродные анализы полностью согласны с теми определениями, которые сто лет назад сделали на глаз. Но в реале никто и не проверял эти картины, так как повторю, их могли перенести с дерева на холст, разогрев масло и отодрав его от основы - по сути наверное радио углеродный анализ и не поможет
второе: почему считается что масло известно чуть ли с 1300-х? Почему тогда был всплеск рисования акварелью и пастелью? Даже в европах.
Хотя это плохие способы не благородные рисования - пастель даже не преподают в худ вузах.
Почему на руси рисовали не маслом, а темперой?? Дело закрыто.
Когда открылись лувры - им потребовались картины, и нашлись люди, которые нашли "древности" и продали их, заработав себе деньги.
Не знали художники до 1800-х не перспективы не анатомии
а рисовать под старину - нелепо совмещая прекрасные понимание перспективы, например, с кривыми (под старину) людьми- просто глупо и сразу бросается в глаза.
Удивительно как художник так фотографично умея передавать предметы быта, туже люстру, про которую говорит Хокни, не может заметить что люди у него кривые и не анатомические!

.........
elcano   #115  RE: может все проще 01-03-2015 23:48
Ответ на сообщение # 114

У Вас много правильных слов.
И картины от Ван Эйка, которые я рассматривал в контексте появления стеклянных зеркал, подтверждают часть Ваших мыслей.
Но с музеями - это не серьезно!
Вот здесь любопытная подборка
www.artlynch.ru/viewtopic.php?f=14&t=5805
любуйтесь и думайте!

 

Detonator  #116  01-03-2015

Ещё немного размышлений -расследований. Сейчас они пойдут про одного из немногих известных художников времён до открытия Эрмитажа в 1850-х. Про Ореста Кипренского, известен он в первую очередь тем, что нарисовал один из самых известных портретов Пушкина. И пушкин посветил Кипренскому пару строк.
Кипренский, так же как и все ученики академии, был выходцем из крестьянской семьи. Незаконнорожденный сын барина от служанки, и Кипренский – это выдуманная измененная фамилия. Отчим Кипренского – Адама Швальбе, слуга у этого Барина.
По сути обучение в академии было сродни тюрьме. Детей, коих в малолетстве завозили сюда - и не выпускали из академии: (Бочаров И., Глушакова Ю. - Кипренский (Жизнь замечательных людей) – 2001)
И Отчим Кипренского привёз его в академии в возрасте 5 лет. И подписывает по сути отказ от сына. (рис. условн.)
 
Отрывок из книги Бочаров И., Глушакова Ю. - Кипренский (Жизнь замечательных людей) – 2001:
«Дабы же «новая порода людей» уже в малолетстве не набралась дурных примеров в окружающей жизни, И. И. Бецкий распорядился «во все их (учеников) время пребывания в Академии никогда не давать им видеть и слышать ничего ДУРНОВа». А коли так, то было решено
всеми мерами изолировать учащихся Академии от живой жизни. В 1772 году Совет Академии с этой целью постановил, чтобы «учеников и воспитанников ни под каким
видом одних из Академии не отпускать, а разве под смотрением господ профессоров и учителей или с билетом, подписанным его превосходительством господином президентом».
Вот чем было вызвано обязательство Адама Швальбе.»
В последствии, Кипренский становится очень известным художником. Им восхищаются.
Современники рассказывают, что уровень работ Кипренского соответствует уровню известных художников того времени
 
Кипренский рисует в стиле Рембрандта, причем на столько в стиле, что иногда доходит до скандала и его работы путают:

Происходит скандал и на западе, в Неаполе, работу Кипренского путают с Рембрандтом:

Но ведь
Схожесть известного портрета Кипренского с автопортретами Рембрандта:
Вот портрет Кипренского:

А это 2 автопортрета Рембрандта, взятые отсюда:
www.berfrois.com/2015/02/rembrandts-self-portraits / 




Что мы видим?? Во-первых, кучерявые волосы. Это бросается в глаза сразу же. Одинаковый пробор справа. Одинаковые пышные густые брови черные. Толстые губы, большой такой нос книзу. Вообще расположение носа относительно губ – одинаковое. И там и там – темно зелёные глаза.
Кстати одинаков и поворот голов

Самые большие отличия: цвет волос. Но это могли сделать и реставраторы – которые просто рисуют поверх. Кипренский мог и красить волосы. Вообще для людей с зелеными глазами – чёрный цвет волос не очень характерен, характерен русый цвет волос, который мы видим у Рембрандта.
И второе отличие: освещение, стиль рисования. А кто сказал, что Кипренский – это автопортрет? Может это кисть другого художника.

Так же скорее всего будет и у других художников. Многие из них были признаны выдающимися художниками современниками, причем заграницей – и Кипренский и Айвазовский и другие – их портреты были помещены в галерею Уфицци, но потом их оттуда убрали!

Многие «старые» художники маринисты 1600-1700-х – это работы Айвазовского, к примеру.

Сейчас есть такой приём в фотосъемке – Рембрандтовский свет yandex.ru/yandsearch?clid=2186618&text=рембрандтовский свет

Ну это такая схема освещения. Все мы видели старые портреты – в основном они такие черные непонятные и возможно именно Рембрандт (То есть наш художник Кипренский) Начинает искать какие-то приёмы освещения. И, он находит схемы и методы универсальные и применяет в своих работах и эти находки стали применяться повсеместно.

Detonator    19-04-2015  #117
Ответ на сообщение # 0

продолжу тему схожести Кипренского и Рембрандта

Даже быстрое сравнение биографий Рембрандта и Кипренского схожи.
И тот и тот – становятся известными благодаря портретам!
И Рембрандт рисовал на исторические темы (снятие Христа, Ослепление Самсона)
Кипренский тоже (вставить) – в петербургской академии был даже предмет «Историческая живопись»
 
Дмитрий Донской на Куликовом поле. 1805 Холст, масло. 118х167 ГРМ

Кипренский. Юпитер и Меркурий, посещающие в виде странников Филимона и Бавкиду. 1802.

Я видел исследования тут и во вконтакте где ссылались на тюрбаны Рембрандта. Вот ОФИЦИАЛЬНЫЙ портрет Кипренского – известная дама в историческом образе с тюрбаном.

Портрет Н.С.Семеновой в роли Сивиллы Дельфийской в оп. Г.Спонтини «Весталка». 1828 Х., м. 110х90 ГЦТМ им. А.А.Бахрушина

Известная картина Рембрандта вскрытия доктора Тюльпа …люди одеты в старом стиле?

Но вот работа Кипренского:

Кипренский. Портрет Алексея Романовича Томилова. До 1828


Такой же стиль одежды! Получается, что во времена кипренского начало 1800-х, была такая мода на рисование в старом стиле, в каких-то образах

То что у Кипренского не такой красивый цвет, как у Рембрандта – не должен нас смущать. Во-первых это фото, во-вторых, как мы знаем из статей по реставрации картин, которые я приводил выше, реставраторы могут рисовать поверху картины, зарисовывать или, наоборот от рисовать полностью новый, фон, изменить РАЗМЕР головы, причёску, детали (мечи, одежду) – и всё это, конечно, ради искусства. Кстати: более поздние работы кипренского (1800-е) выглядят старее чем более ранние Рембрандта (1600-е)
А теперь сравним ключевые даты жизни.
Про детство и юношество Рембрандта мало что известно. А про кипренского известно много-его отец, где родился. Вообще он был в малолетстве отдан в академию художеств.
Кстати про Рембрандта – он начинает заниматься живописью только по сути, во взрослом возрасте, после школы, сначала у одного преподавателя с 13 лет. А затем с 17-ти лет у другого и до 21 года!
А Кипренский занимается рисованием с детства с 6 лет, в окружении профессионалов из запада и России, в окружении сверстников, перенимает у них опыт. У него огромные стимулы к обучению: свобода, звания академиков, заграничные поездки, полное содержание, и даже дворянство.
В то время как Рембрандт учиться рисованию, не видя своего будущего – как он это сможет применить. Как отнеслись к этому родители Рембрандта? Ведь не было никаких перспектив и четкого будущего: будут ли пользоваться его картины популярностью?
Кипренский так же заканчивает академию в 21-год. Только учится он рисованию не с 13 лет, как Рембрандт, а с 6! И по сути, после окончания остается при академии, получает заграничную стажировку, полностью оплаченную в 1816-м году! А эта поездка….Стажировка! То есть по сути обучение! То есть обучается он и в 33 года! А в 1815 –м (Вся биография Кипренского из Брокгаузена и Ефрона) он становится советником академии!
Примечательно то, что Рембрандт умирает в нищете и безвестности. Ах эти европейцы! Не чтут культуры!
А вот Кипренский умирает как раз в Европе в Италии и на пике славы, да так что его хоронят в итальянской церкви и ставят огромную стелу прямо внутри церкви!



Да вот только сейчас никто не помнит кипренского, а вот Рембрандта все знают и уважают.
Поразительно, что вики говорит нам будто Рембрандта забыли на пару веков, а вспомнили и оценили его искусство, только в 19-м веке! То есть тогда когда жил и творил Кипренский!
«Человечеству понадобилось два столетия, чтобы в полной мере оценить значение творчества Рембрандта… смелость Рембрандта-живописца и меткость его наблюдений в качестве рисовальщика впервые получили признание в XIX веке»
ru.wikipedia.org/wiki/Рембрандт#.D0.9F.D...BB.D0.B0.D0.B2.D0.B0
Одна из самых больших коллекций работ Рембрадта где? Правильно в Петербургском Эрмитаже
«Произведения Рембрандта высоко ценятся любителями искусства; обладание ими составляет гордость всякого музея; всех других картинных галерей богаче ими Императорский Эрмитаж, в котором насчитываются 42 картины Рембрандта» говорит нам Брокгаузен и Ефрон.
То что сейчас картины Рембрандта в США и прочих музеях мира – в 1920-х многие картины Эрмитажа были розданы и проданы за копейки разным странам, в том числе и США.
Схожи даже подписи Рембрандта и латинское написание кипренского, с похоронной Стеллы в церкви

Странно, что по латыни будет не кипренский, а кипренскОЙ. Кстати, вас не смущало странное звучание РембранДТ – это странно звучит, даже для европейского уха. Вообще мало помню таких фамилий. Д и т – парные согласные.
Но о легко превратить в d, просто дописав черточку, а I превратить в t добавив черточку
Более того, Рембрандт ещё и иногда убирал букву д из своей фамилии!

blackpig.ru/evolyuciya-logotipa /
Нормально, да? Типа тогда было старое время фамилии можно было менять как хочешь. А вот если представить, что это перевод со славянского языка на латинский – то различное написание возможно – Rembrant – близко к Kiprenski – современному звучанию фамилии Кипренского
Вот ещё подписи Рембрандта отсюда fr.wikipedia.org/wiki/Rembrandt

Ну и что это вверху? Это даже не похоже на R – это прописная К! А что рядом за I ?? её даже нет в фамилии Рембрандт, а вот в Кипренский – она есть и много раз-более того это последняя буква фамилии.
А B это просто письменная e.
Вот ещё варианты подписи Рембрандта:

Год поставленный сбоку - неважен, его могли дописать задним числом

(см. продолжение Detonator    19-04-2015  #117-2)

Detonator    19-04-2015  #117-2

Более того утверждается, что пейзаж не был любимым у Рембрандта, и так же говорят про Кипренского. На самом деле мы должны понимать, что Рисовал он ещё до фото и до точного изобретения перспективы в рисунке.
Кстати работы Рембрандта выглядят немного неаккуратными, местами кривоватыми:



А это середина 1600-х годов.
Но вот картины на сто лет раньше из 1500-х:

Ганс Гольбейн Младший Абсолютный фотореализм. Странная непонятная деградация Рембрандта по сравнению с Гансом Гольбейном.
Это нам абсолютно точно говорит, что картина «Послы» Гольбейна – поздняя подделка после 1830-х, 1840-х, после изобретения фото.
Но вот Кипренский как раз творил в те времена, когда фото не изобрели и по уровню работы и Кипренского и Рембрандта, совпадают с плавной эволюцией рисования, от очень кривых ранних работ, к примеру:

Русский художник 1700-х годов петербургской академии художеств Антропов царевна София
Там вверху есть, про то, что на какой то западной выставке ещё при жизни кипренского, работу Кипренского приняли за Рембрандта, но ведь и вики и другие источники, говорят нам, что Рембрандт умер в безвестности и как раз в 19-м веке, только стал популярен! То есть Работу Кипренского спутали с никому не известным пока ещё в европе художником! Ну не диво ли? А скорее всего просто произошло тоже, что и с Айвазовским: Айвазовский рисовал свои картины, а выставлялись они под именем Филипп Таннер. Так же и Кипренский нарисовал картину, а на них прикрепили ярлык – старый, никому не известный, умерший в безвестности Рембрандт. Но кто-то увидел эту картину и сказал: «Да я же знаю автора – это не Рембрандт, это русский художник Кипренский».
Поэтому западные люди немного подождали и про Рембрандта узнали только, как утверждает вики при передвижниках:
«смелость Рембрандта-живописца и меткость его наблюдений в качестве рисовальщика впервые получили признание в XIX веке, когда художники реалистической школы Курбе (а в России — передвижники) противопоставили его глубоко прочувствованную поэзию света и тени беспрекословной чёткости и ясности французского академизма<17>.»
Но ведь первое собрание передвижников – 1870-е года!
Эрмитаж для общих посетителей открылся только в 1855-м!
Не было интернетов и телевиденья, так же и фото с картинами Кипренского.
Музеи подождали почти целое поколение и исправили подписи на картинах Кипренского на загадочного Рембрандта, который умер в безвестности. Как на западе так и в России. А до этого убрали картины Кипренского на реставрацию. Портрет его, к примеру, до сих пор убран в галерее Уффици, хотя и Брокгазуен и другие источники пишут, что тогда при жизни кипренского его очень просили нарисовать этот свой автопортрет и отдать в Уффици, в собрании портретов знаменитых художников тогда уровень Кипренского был величайшим и на западе, раз его портрет поместили в эту знаменитую галерею на ровне с рафаэлями и микеланджело.
Кстати официальная наука опять противоречит себе: чиновники Эрмитажа закупили, никому неизвестного Рембрандта и в 1700-х и в 1815-м году, хотя слава к Рембрандту пришла только во второй половине 19-го века! Они покупали никому не известного художника, хотя под боком был великий кипренский и другие русские художники петербургской академии художеств – потрясающая логика!
Зачем же зачем нужен такой подлог и нужно заменять нашего художника, его биографию и имя на неизвестного голландского? Ну, во-первых, удревление и неизвестность запутывает обывателей и многие исследователи путались пытаясь найти в картинах Рембрандта высокий смысл, в этих исторических костюмах. От себя хочу заметить, что герои романа Тургенева «Отцы и дети» носили турецкие фески по тогдашней моде – не знаю..может это вам поможет в исследованиях на тему тюрбанов у Рембрандта ( а в реале кипренского).
Во вторых, мы должны понимать, что все государственные учреждения подчинялись тогда западу, к примеру в большом театре и в Мариинском ставились только западные оперы, а имея под боком гениальных авторов - Мусоргского, Бородина Римского-Корсакова, дирекция этих как бы русских театров отказывала этим гениям, и только случай и чудо в виде Сергея Дягилева, который взял и привёз это русское искусство, не нужное в России, на запад, где оно очень понравилось публике и стало популярно.
«Ну и ближе к нам – история могучей кучки.
ru.wikipedia.org/wiki/Могучая_кучка
ru.wikipedia.org/wiki/Мусоргский,_Модест...B3.D0.BE.D0.B4.D1.8B
«. Мучительно было непонимание его творчества в официальной академической среде, как, например, в Мариинском театре, РУКОВОДИМОМ ТОГДА ИНОСТРАНЦАМИ И СОЧУВСТВУЮЩИМИ ЗАПАДНОЙ ОПЕРНОЙ МОДЕ соотечественниками»
dic.academic.ru/dic.nsf/bse/70401/Большой
«В 60—70-е гг. 19 в. Дирекция императорских театров в угоду аристократическому зрителю сдала Б. т. в аренду итальянской оперной труппе, которая стала играть поочерёдно с труппой Б. т. Привилегированное положение итальянцев мешало русской опере завоевать внимание публики. Прогрессивные деятели русской музыкальной культуры В. Ф. Одоевский, П. И. Чайковский и др. возглавили борьбу с итальяноманией, призывая к национальной самобытности искусства.»
Я расшифрую, что это значит. Большой театр и Мариинский театр, полностью принадлежали иностранцам и там ставили только западные оперы, иногда, по церковным и русским праздниками ставили русские произведения. Хотя вот же Мусоргский, Бородин, Римской-Корсаков были под боком! И у них было очень много произведений уже готовых.
«Обе музыкальные драмы Мусоргского(«Борис Годунов», «Хованщина») завоевали мировое признание уже после смерти композитора, и по сей день во всём мире они относятся к наиболее часто исполняемым произведениям русской музыки. На большую сцену их вывел Н. А. Римский-Корсаков, который отдал нескольких лет своей жизни, чтобы привести в порядок наследие своего покойного друга.»
Если кто: то будет спорить, про то что в этих РУССКИХ театрах, принадлежавших почему-то иностранцам, ставили в основном только западное… То что же там ставили?
« В октябре 1870 г. окончательные материалы были представлены композитором в дирекцию Императорских театров. 10 февраля 1871 г. репертуарный комитет, состоявший преимущественно из иностранцев, забраковал оперу(Борис Годунов) без объяснения причин>; по сообщению Направника (который был членом комитета), причиной отказа от постановки стало отсутствие в опере «женского элемента»<4»[br />Вот так, иностранцы из императорских театров заблокировали, им не понравилась, но зато понравилось всему миру!
Вся эта информация из вики про Мусоргского.
Вообще про большой театр и русские оперы только по праздникам я читал на самой вики – но что-то сейчас не могу найти.
«
Западные владельцы наших театров конечно были не дураки и видели, что произведения гениальны, но видимо существовал какой то запрет на продвижение русской культуры. Кстати копии нот Мусоргского у них были. И если бы не Дягилев, не исключено, что появился в скором времени всеми забытый в своём времени западный гений 1500-х 1600-х годов с музыкой Мусоргского.

Астрахань  #118. Думаю, что Рембрандт Рембрандту рознь... 19-04-2016 23:58
Ответ на сообщение # 117 

Как и в случае с Леонардо, когда один художник нарисовал "Даму с горностаем" и "Тайную вечерю", а потом анонимные деятели 18 века приписали великому мастеру распиаренную "Мону Лизу" и кучу загадочно улыбающихся голых "Иоаннов Крестителей" неопределенного полу..

Да..библейские сюжеты, которые сейчас приписывают Рембрандту, мягко скажем, выпадают из общей религиозной канвы того времени (какой-такой Ветхий Завет?), НО есть еще и "Ночной дозор", от которого кто-то (зачем?) отрезал два куска в 18 веке..есть еще шикарный портрет Аристотеля в соответствующей "античной одежде":
 
Фон картины — тёмный занавес и внушительная стопа книг в углу. В центре стоит Аристотель в шляпе с большими полями и богатом одеянии, украшенном массивной золотой цепью, на которой висит медальон. Одну руку он держит на бюсте Гомера (бюст этот, судя по описи при банкротстве в 1656 году, находился в коллекции Рембрандта). Исследователи полагают, что на медальоне изображён Александр Македонский.

Полотно оставалось во владении княжеского семейства Руффо до конца XVIII века. В 1810 г. аукционный дом «Кристис» выставил его на продажу под названием «Скульптор перед бюстом» вместе с парным полотном (очевидно, это был «Гомер» из Маурицхёйса). На протяжении почти всего XIX века картина висела в Эшридж-Парке — загородном имении английских графов Браунлоу. В 1961 году Метрополитен-музей приобрёл полотно на аукционе за рекордные 2,3 млн долларов. До этого на протяжении 30 лет титул самой дорогой картины принадлежал «Мадонне Альбе» Рафаэля. Покупка «Аристотеля» вызвала большой ажиотаж в прессе. Чтобы оправдать вложения, музей организовал масштабную выставку, которая пользовалась огромным успехом у американцев...

---
Астрахань  #119. Маска, а я вас знаю.... 20-04-2016 00:21
Ответ на сообщение # 118 

Мне вот было интересно, а кто и когда из художников начал впервые пользоваться акварельными красками и, как всегда, понеслось...
Википедия:
"В Европе акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи. Из первостепенных художников Ренессанса значительный след в акварели оставили Дюрер, чей «Заяц» стал хрестоматийной работой, затем акварели отдали дань Антонис ван Дейк, Клод Лоррен и Джованни Кастильоне. Однако эти примеры оставались единичными вплоть до рубежа XVIII—XIX веков, так что даже в 1829 году Пайо де Монтабер в «Полном трактате о живописи» упоминает об акварели вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьёзного внимания."
Брокгауз:
Акварель
(итал. aquarelle или aqua-tento, франц. aquarelle, англ. painting in water colours, нем. Wasserfarbengem ä lde, Aquarellmalerei) — означает живопись водяными красками. Акварельная живопись вошла в употребление позже других родов живописи; еще в 1829 году Монтабер в "Trait é Complet de la peinture" упоминает о ней лишь вскользь как об искусстве, не заслуживающем серьезного внимания. Однако, несмотря на ее позднее возникновение, она в короткое время сделала такие успехи, что может соперничать с живописью масляными красками. Акварель только тогда стала сильною и эффектною живописью, когда для нее начали употреблять прозрачные краски с растушью теней. Живопись водяными красками, но густыми и непрозрачными (живопись гуашью) существовала гораздо ранее прозрачной акварели. Картины Рафаэля (1483—1520), Лебрена (1619—1690), Лесюера (1617—1655), Миняра (1610—1695) и других представляют не акварельные работы, а раскраску эскизов частью прозрачными, а частью непрозрачными клеевыми красками по контурам, которые этими красками не закрывались. Такие картины служили как модели для фресок (fresco) по штукатурке зданий. Подобного рода раскрашиванием — как отдых или как эскиз для жанровых картин — занимались и голландские, и фламандские живописцы: Рюгендас, Поль Бриль (1556—1626), Рюнедаль (1670), Бот (1650), Винантес (1600—1670); Рубенс хотя набрасывал эскизы гуашью, но предпочитал прозрачные краски. Ван Гейсум (1682—1749), знаменитый живописец цветов, плодов и насекомых, оставил этого рода рисунки, которые доныне сохранились. Его подражателями были Ван Спендокам, Ван Даелям, Бесса, Рише и проч. Но все эти произведения можно назвать лишь раскрашенными рисунками. Как только живописцы отважились заглушать красками резкие черты контуров и тушевок, сделанных пером или карандашом, а для растуши теней начали употреблять кисть, акварельные произведения получили силу, эффект, и этого рода искусство пошло быстрыми шагами вперед и в настоящее время дошло до такого совершенства, что удовлетворяет вкусам самых строгих ценителей. Ослабление контуров и способ растушевки кистью был первоначально введен при раскраске архитектурных и топографических планов, где первоначально употреблялась китайская тушь, затем тушь с лак-кармином, сепия, а затем и другие водяные краски. Вскоре итальянец Багетти и многие другие искусные живописцы доказали, что акварель с большим успехом может соперничать с масляною живописью, именно там, где требуется сила, прозрачность и в особенности тщательная отделка подробностей рисунка. Первоначально эта живопись скромно приютилась в альбомах для памяти и сувенирах, затем вошла в альбомы художников и появилась в картинных галереях и на художественных выставках, привлекая и восхищая любителей живописи...
Художники, наиболее работавшие над этого рода живописью и наиболее способствовавшие ее развитию: Козен († 1794) — работал коричневой и серой краской, употребляя для световых частей и рефлексий красную и синюю краски; Гартин († 1802) — хороший колорист; его последователь Котман — пейзажист итальянской и северной природы; Турнер — хороший итальянский живописец; за ними с 1805 года следуют акварелисты, которые ввели большее число красок в свои рисунки: Фильдинг, пейзажист; С. Фраут (1852) — архитектурных зданий; Давид Кокс (1783—1859) широко писал воздух и даль. Достопримечательный живописец фигур Левис (1805—1876), Гунт (1790—1864), который также писал хорошо цветы и фрукты; жанрист Топлан, архитектурных построек: Нас, Роберт Гаге, Станфильд, морских видов — Кук, Дункан; ландшафтных: Фрипп, Гардинг, Бодингтон, Давидсон, Биркель и проч..
Из русских, наиболее выдающихся в последнее время: Раулов — превосходный портретист и профессор, Премацци — пейзажист, великолепно владеющий своей специальностью. Кроме того, можно упомянуть Чернецова и Бориспольца — замечательный русский художник-любитель, писал одинаково хорошо исторические и духовные сюжеты, морские виды, портреты, перспективы, семейные сцены масляными красками, акварелью и гуашью. В 1839 г. русскими художниками Ивановым, Рихтером, Моллером, Каневским, Шуппе, Никитиным, Дурново, Ефимовым, Скотти и Пименовым изготовлен альбом акварельных рисунков, поднесенный покойному императору Александру II во время посещения им Рима.
www.vehi.net/brokgauz/index.html
Большая цитата, но она важна...
Вы знаете художника Бориспольца?

---
Астрахань  #120. Создатель Тицианов. 20-04-2016 00:47
Ответ на сообщение # 119 

Этот художник поначалу чегой-то не понял и нарисовал на серьезной картине "неантичных скифов", за что и сразу получил на орехи:
«Г-н Борисполец стал жертвой жюри. Он представил большую картину «Св. Андрей вводит христианство на Руси». Гг. судьи, греки во всех смыслах этого слова, отвергли её, ибо художник наивно полагал, что во Франции позволено изображать русских похожими на русских, а не на римлян или греков. Беда в том, что г-н Борисполец приехал из-за границы и не знает обычаев, заведённых в Академии».
callmycow.livejournal.com/158915.html
Ну, а потом все нормально - ваял, как и все, всяких Тицианов да Рубенсов:
"Съ 1843 года я не видалъ П. Т. и мало знаю о его пребываніи въ чужихъ краяхъ. Тамъ онъ сдѣлалъ нѣсколько, въ высшей степени замѣчательныхъ, копій съ Рафаэля, Тиціана и другихъ знаменитыхъ мастеровъ...
...В Париже Борисполец написал и свою знаменитую копию с картины Тициана: "Положение во гроб Христа Спасителя" (в 1847 г.). Академия художеств признала ее превосходной, купила за тысячу рублей и заказала ему еще другую копию, тоже с картины Тициана: "Смерть св. Петра Доминиканца"..
...Въ Вѣнеціи началась порча зрѣнія у Бориспольца, при копированіи знаменитой картины Тиціана «Мученіе Св. Петра Доминиканца», находящейся въ церкви Святыхъ Іоанна и Павла, гдѣ художникъ, при нестерпимомъ холодѣ и сквозномъ вѣтрѣ, въ извѣстное время дня, пользовался проникавшимъ чрезъ окно солнечнымъ лучемъ, усиленно освѣщавшимъ оригиналъ. Копія сдѣлана превосходно, — и да пошлетъ Господь если не совершенное исцѣленіе, то хотя облегченіе недуга замѣчательному художнику и прекраснѣйшему человѣку! Это общая молитва всѣхъ знающихъ коротко Платона Тимофѣевича...
...Съ большиъ прискорбіемъ заношу на эти страннцы нѣкоторыя свѣденія о жизни любителя-художника, П. Т. Бориспольца. Хотя онъ и ЖИВЪ въ настоящее время; но съ 1851 года онъ уже умеръ для искусства. Его, страстнаго поклонника красоты, человѣка въ высшей степени дѣятельнаго, постигло страшное несчастіе, онъ ослѣпъ на оба глаза и находится въ крайне бѣдственномъ положеніи. Всѣ, кто знали его, скорбятъ о немъ душевно. К. Т. С., не впервые простирающій свою спасительную руку художникамъ, и въ этомъ случаѣ показалъ свое великодушіе. Будучи извѣщенъ изъ Рима, отъ Ѳедора Антоновича Моллера, о крайнемъ положеніи Бориспольца, любитель пріобрѣлъ прекрасную копію этого художника съ «Святаго семейства», Рафаэля, оригиналъ которой находится въ Версалѣ, въ спальнѣ Людовнка XV...
callmycow.livejournal.com/158915.html
dic.academic.ru/dic.nsf/enc_biography/12556/Борисполец
ЗЫ. Художник трудился, усердно рисовал, потеряв на работе зрение, а из его картин нам более-менее известны лишь ДВА его полотна - упомянутый "Святой Андрей" да "Фрегат "Аврора"" - и все...

---
Астрахань  #121. RE: Великий портретный мастер. 20-04-2016 01:32
Ответ на сообщение # 120 

Там одно имя "старого акварельного мастера" прозвучало, о котором почему-то молчит словарь Брокгауза, но зато очень хорошо наслышана современная Википедия.
Антуан Ван Дейк.

Жил 42 года, рисовал с 16 лет, является автором около 900 (!!!) полотен..
Картины на всю голову "политически правильные" и ими набиты большинство выдающихся музеев мира:
"С 1626 по 1633 он создает галерею графических портретов выдающихся современников, получившая название Иконография. Для офортной серии он выполнил с натуры подготовительные рисунки, часть офортов была выполнена самим Ван Дейком, часть с помощью граверов. Портреты делились на три группы: монархи и полководцы (16 портретов), государственные деятели и философы (12 портретов), художники и коллекционеры (52 портрета). Одни рисунки Ван Дейк делал с натуры, другие – с портретов, написанных им самим или другими художниками. Иконография была издана в 1632 в Антверпене. На титульном листе помещался автопортрет Ван Дейка. После его кончины Мартин ван Эмден, гравер, печатавший эти офорты, продал первоначальные 80 досок. К ним было добавлено еще 15 досок, выгравированных самим Ван Дейком, а также гравюры других художников, так что общее число было доведено до 100. Это издание появилось в свет 1645 и стало известно под названием «Centum Icones» («Сто изображений»). Иконография не только важный исторический документ, но и имеет высокохудожественную ценность."
www.bibliotekar.ru/Kdeyk /
Вот только по мне, такая мазня на библейские темы никак не могла появиться в 17 веке:

«Снятие с креста», Национальная картинная галерея Армении..

Но тут дело развернулось еще веселее:


mirknig.online/p/1q


---
Астрахань  #122. Попробую ответить на поднятые вопросы 20-04-2016 12:58
Ответ на сообщение # 121 

//Делаем выводы, что ордынское искусство в 1600-х было слабым. Ещё только только стали отходить от иконы. Хотя возможно помимо церковного рисования было ещё и светское и оно всё уничтожено, но навряд ли..//
Если "во времена Орды" московиты могли приглашать в столицу лучших архитекторов из-за рубежа, то почему же не приглашать художников?
У Забелина упоминаются и старые картины "бытейского письма" и фамилии приглашенных живописцев:
"..В 1667 г. немецкий живописец Данило Вухтерс (Фуктерс) написал царю Алексею Михайловичу "Пленение града Иерусалима" и в феврале 25-го другую картину -- "Град Иерихон" по полотну живописным письмом. В том же году он начал писать "около государевых лучших шатров двор по полотну из книги Александрии, т. е. деяния Александра Македонского. В том же году другой живописец, армянин Богдан Салтанов, писал также по полотну к государеву большому шатру двор государев и поднес государю картину "Притчу о царе Дионисии, мучителе Сивилийском", а ученик его, Карп Золотарев, в 1672 г. поднес картину "Чувство осязание". Впоследствии во дворце находились картины с изображением всех "Пяти чувств" {В 1682 г., в марте, истопник Семен Золотой был послан в Преображенское, в Покровское, в Измайлово, -- "а велено ему обыскать в государевых хоромех пяти чуфств, писаны на полотнах живописным письмом", которых, однако же, не было там найдено.}.
В 1669 г. Салтанов написал государю картину по полотну "Рождение царя Александра Македонского". В 1669 г. живописцы Иван Мировской да Станислав Лопуцкий писали для Коломенского дворца "клейма (гербы) государево и всех вселенских сего света государств". В том же году Станислав Лопуцкий писал по холсту герб Московского государства и иных окрестных государств и подо всяким гербом планиты, под которым каковые. В 1677 и 1678 гг. Салтанов же написал по полотнам две притчи: Видение царя Константина, когда ему явися крест в облацех на небеси, и подписал на них золотом подпись -- слова. "А поставлено то полотно в рамах деревянных у него в. государя в Верху у Золотого крыльца, на площади, у деревянной переграды"
az.lib.ru/z/zabelin_i_e/text_0080.shtml
//Что мы видим? В императорскую академию художеств набирались сироты, иногда с 6 летнего возраста, крепостные. В основном (а точнее только) рисовали историческую живопись, исторический пейзаж.
Огрмоное количество крепостных, сирот величайших художников. Зачем академия это делала? Зачем она делала крепостных академиками, профессорами и даже отправляла их на стажировку в Италию?? Как например Айвазовского.
Зачем стране вообще нужно было столько художников?! Где их рисунки?! Какова была цель?//
Ну, в Италии они долго и кропотливо работали, создавая всяких Тицианов, "античные бюсты" и многочисленные копии этих бюстов..
Дома же их творчество того..попало на переломные годы, когда формировался существующий исторический канон и стало ненужным, даже опасным.
Ну кому ТАКОЙ князь Владимир работы живописца Лосенко(по-европейски одетый и в королевской горностаевой мантии)нужен?

Подозреваю, в то время много подобных картин намалевали про разных романовских царей (в доспехах, без крестов и с готической архитектурой на заднем плане) и на тему старинных мифологических сюжетов.
Все ушло в печку, это понятно...

---
Астрахань  #123. Второй важный вопрос 20-04-2016 14:16
Ответ на сообщение # 122 

Почему "Портрет четы Арнольфини" так мастерски и грамотно сделан, в отличии от написанного столетием позже и дико примитивного "Crucifixion" Альбрехта Альтдорфера?

Потому что первое полотно - СВЕТСКОЕ и не несет ни для кого никакой опасности (ну тугра на подписи художника не в счет...)
Второе - духовное и "подновлял" (либо малевал его заново) какой-то местный мазилка, ремесленник.
На этой картине все малость получше изображено будет, а это тоже Альтдорфер:
Потому что первое полотно - СВЕТСКОЕ и не несет ни для кого никакой опасности (ну тугра на подписи художника не в счет...)
Второе - духовное и "подновлял" (либо малевал его заново) какой-то местный мазилка, ремесленник.
На этой картине все малость получше изображено будет, а это тоже Альтдорфер:

Его знаменитую "Битву Александра с Дарием" похоже подправили совсем чуть-чуть, зачернив, как вы видите, лица пехотинцев в белых колпаках...

Это тоже Альтдорфер..из-за штукатурки:


www.posterlounge.co.uk/bathing-couple-pr195201.html
В середине-конце восемнадцатого века "реформаторам" имхо элементарно не хватало художников для создания картин нового религиозного и исторического канона (нужно было ведь не только нарисовать кучу новых полотен, но и переделать гору старых), поэтому вначале нанимали всяких халтурщиков.
Существующие тогда маститые живописцы могли отказываться кромсать старые шедевры и изображать новое вранье...или элементарно не справлялись "с потоком", а новую беспринципную (!!!) молодежь надо было еще выучить и подготовить.
ЗЫ. Grooth Georg Christoph Grand Duke Peter Fedorovich and Grand Duchess Ekaterina Alexeevna. 1745 г. 

//Снова заграничный портретист, людей, которые много раз бывали в Европе и видели всяких ван Эйков и Гольбейнов и их рисуют так. Условно. Неправильная анатомия. Искажение черт лица, плеч, пропорций..// 
Поездка молодого Петра в Голландию - очень важный исторический миф.
Как ремесленник мог, так он и изобразил...

---
Астрахань  #124. источники по теме 21-04-2016 03:56
Ответ на сообщение # 123 

Продолжу чуть позже, пока выкладываю ссылки на литературу, необходимую для понимания процесса:

"История живописи" Бенуа (в 4-х томах):
history-fiction.ru/books/all_1/book_3876/
history-fiction.ru/books/all_1/book_3877/
history-fiction.ru/books/all_1/book_3878/
history-fiction.ru/books/all_1/book_3879/
"Техника масляной живописи русских мастеров с XVIII по начало XX века"
Лужецкая А.Н.
history-fiction.ru/books/all_1/book_3880/
"Реставрация станковой масляной живописи в России"
Алешин А.Б.
history-fiction.ru/books/all_1/book_3881/
Ну и, вишенка на тортик, рассказ о "янычарах Академии Художеств":
Жизнь замечательных людей, вып. 710. Кипренский.
history-fiction.ru/books/all_1/book_3883/
Вот как-то так.

---
Астрахань  #125. Дело начинает проясняться 07-06-2016 13:32
Ответ на сообщение # 124 

Помните, я чуть выше написал об одной из причин, почему от работ наших старых живописцев, активно писавших на исторические темы так мало осталось?

Ну кому ТАКОЙ князь Владимир работы живописца Лосенко(по-европейски одетый и в королевской горностаевой мантии)нужен?
  
Давайте более подробно остановимся на первом пенсионере Академии Художеств профессоре Антоне Павловиче Лосенко.
Вот подробная статья из "Северного Сияния" об этом живописце:
books.google.com.ua/books?id=LRFBAAAAcAA...#v=onepage&q&f=false
еще:
www.liveinternet.ru/users/3370050/post142039221/
Мать умерла в молодости. Отец алкоголик. Художник стал сиротой с семилетнего возраста. Учился на деньги Академии Художеств вместе с архитектором Баженовым в Париже, потом Рим, потом опять Париж, потом в 1766 году получил ордер (приказ !!!) Академии - НЕМЕДЛЕННО выехать в Италию (опять Рим и другие города) на три года.
Там работа под руководством французского куратора Йозефа Мари Вьена, снял копию с картины Рафаэля "Правосудие", что было еще - об этом говорится очень глухо..вроде в сентябре 1767 г. Лосенко сообщает, что начал рисовать с «картин Рафаиловых» ..и все.
"В июле 1763 года А.П. Лосенко был отправлен Академией художеств во вторую пенсионерскую поездку в Париж, где поступил в мастерскую Ж.М. Вьена (1716—1809). Занятия состояли в копировании рисунков учителя, антиков, а также в рисовании с натуры, что требовало серьезного изучения анатомии и перспективы. За свои работы русский художник получил несколько медалей Парижской Академии художеств."
artclassic.edu.ru/catalog.asp?cat_ob_no=13925
Считается, что в Риме он начал писать вот этого голого мужчину, который произвел фуррор на выставке 1770 года в Санкт-Петербурге и был впоследствии обозван Каином:
artclassic.edu.ru/attach.asp?a_no=6691
"Произведение лишено сюжета, и название «Каин» закрепилось за ним уже в XIX веке. Это полотно знаменовало большие достижения в творческом развитии художника. Продумано и точно организовано пространство композиции. В сложном ракурсе мастерски передана напряженность фигуры, подчеркнутая мягкими складками драпировки зеленоватых тонов. «Каин» — одно из самых лаконичных произведений А.П. Лосенко.
Картина писалась в Риме и является отчетной пенсионерской работой живописца. За нее он получил в 1769 году звание назначенного профессора."
А теперь мы переходим к самому интересному - к картине "Владимир и Рогнеда", за которую А.П. Лосенко получил в 1770 году звание академика и был назначен профессором живописи.
Кем был заказчик этого полотна?
Кто лично одевал Рогнеду?
Никогда не догадаетесь...Сама Екатерина Вторая !!!
  
История русская у нас, оказывается, была тогда сплошь наполнена грубейшими ошибками и анахронизмами..

Интересно, что императрицу эти анахронизмы совсем не смутили, она осталась полотном довольна и дала живописцу еще заказов (а вот каких - неизвестно):

"Екатерина II покровительствовала художнику. «A son retour à St.-Petersbourg, il fut gracieusement reçu de S. M. l’impératrice Cathe­rine H»—сообщает Реймерс. Затем 25 Июня 1773 г. Императрица посетила его мастерскую — это событие занесено с мельчайшими по­дробностями в Академические анналы. Кроме того, Лосенко получал от Государыни заказы."
artefakt.in.ua/painting-articles/item/blog160.html
ЗЫ. Интересно, сколько Рафаэлей он нарисовал в Риме?
 

avt76 #126. RE: Еще один Дурацкий вопрос: 03-08-2018 16:02
Ответ на сообщение # 57

>Здесь множество фактов.

>1. Крепостные сироты становились художниками.
>2. Их направляли учиться в Италию.
>3. Учение состояло в копировании.
>4. По возвращении копировщики становились академиками.
>5. Они занимались реставрацией и переводом картин с досок на
>полотно.
>6. Все эрмитажное собрание - отреставрированные копии.
>7. Самые умелые получили дворянство, кто-то даже
>потомственное.
>8. Айвазовский работал негром на какого-то француза.
>9. И немного рисовал для себя, а француз стучал об этом царю.
>10. Были разные техники живописи, одни обсыпались, другие –
>асфальт.
>11. На Руси много примитивных изображений.
>12. В Европе тоже.
>13. Там были также и гениальные художники.
>14. В 20 веке, как и в 16 много примитива.
>15. И т.д. и т.п.
>Все это, конечно, познавательно и интересно.
>Но что из этого всего следует, я как-то так и не увидел. Может
>быть плохо смотрел?

вообще, из многого вышесказанного Detonator'ом вывод напрашивается один - наши крепостные сироты-художники ездили в Италию и др страны и там создавали "Рафаэля" и прочих Микеланджело Буонаротти - Михаила Хорошего_русского (ротти - росси - самая распространенная фамилия в Италии - Росси). вовсе не копировали, а там и творили, а сюда это везли потом в качестве иностранных шедевров -))
именно поэтому крепостные (т.е. безправные), сироты (то есть некому рассказать). За молчание и хорошую работу награждались дворянством. 

---
Астрахань #127. чуть не так
13-08-2018 17:57

Ответ на сообщение # 126

//вообще, из многого вышесказанного Detonator'ом вывод напрашивается один - наши крепостные сироты-художники ездили в Италию и др страны и там создавали "Рафаэля" и прочих Микеланджело Буонаротти вовсе не копировали, а там и творили, а сюда это везли потом в качестве иностранных шедевров -))
именно поэтому крепостные (т.е. безправные), сироты (то есть некому рассказать). За молчание и хорошую работу награждались дворянством. //

Думаю, что разные задачи были.
Одни рисовали "античные виды древнего Рима" и там же, на месте, ваяли свеженайденные древние статуи.
Другие создавали всяких Эль Греко, а кто поталантливей - брался за Рафаэля.
Третьи, я так подозреваю, мастерски копировали всякие старые полотна в разных церквях..с добавлением некоторых новых элементов (типа фигуры Бога-Отца) и с последующей заменой оригинала на копию.
"Пьета" Микеланджело ж подлинная (мрамор пожелтел от времени и вообще хрен такой шедевр скопируешь), просто была слегка повреждена при перетаскивании неизвестно откуда в Пантеон.
А вот типа его же "Давид" ИМХО выполнен красиво, но не мастером, а ремесленником, в манере 18 века и мрамор, из которого он сделан, намного белее, как будто он вообще не стоял веками на открытом месте. 

---
avt76#128. Граверы на Руси
03-10-2018 10:49
Ответ на сообщение # 127
03-10-2018 11:15 avt76

Ровинский, Дмитрий Александрович (1824-1895).
Русские граверы и их произведения с 1564 года до основания Академии художеств : Исслед. Д. Ровинского. - Москва : гр. Уваров, 1870. - <2>, X, 403 с.; 26.
Экз. РНБ (340/142): один из 4-х экз. с полным текстом лубочных картинок (с. 142-144)
NLR: 340/142): один из 4-х экз. с полным текстом лубочных картинок (с. 142-144
Экз. РНБ (340/142): с автогр. автора
NLR: 340/142

содержит и краткую историю гравюры в Европе
dlib.rsl.ru/viewer/01003580431
Дюрер, например, сам не был гравером, а лишь рисовал рисунки. А резал - некто Дiенникер.

заметка В.Е. Румянцева dlib.rsl.ru/viewer/01003580431#?page=372
"русские книгописцы еще задолго до появления типографии в москве знали и использовали приемы сродные с гравюрным печатанием. хотя и считалось, что на русь гравирование пришло из германии или дании, но это не так, скорее из италии"

Другая книга - с гравюрами
(например страница с Рюриком dlib.rsl.ru/viewer/01003941018#?page=405 )
Ровинский, Дмитрий Александрович (1824-1895).
Подробный словарь русских граверов XVI-XIX вв. <Текст> : с 720 фототипиями и 210 цинкографиями в тексте : (посметрное издание) / составил Д. А. Ровинский. - Санктпетербург : Типография Императорской Академии наук, 1895-1899. - ил.; 30 см.
Том II. К - Ф <Текст>. - 1895 - 1899. - <2> с., 449-1248 стб. : ил.
(какая-то странная "Русская баня" на гравюре - dlib.rsl.ru/viewer/01003941018#?page=47
как-то не так представлялась себе русская баня.... -)) больше на римскую похожа

---
Nikson #129. Собака в бане
03-10-2018 11:53
Ответ на сообщение # 128

- это вообще шедевр воображения. Собаку в баню, где шум, пар, гиканье, можно затащить только дохлую.
Сам не видел, не был, не мылся никогда, но иллюстрирует уже кем-то записанные рассказы. Где жил и кем был по национальности этот "русский" гравер?

Detonator    29-09-2019   #130
Ответ на сообщение # 0

Всем привет. Давно не писал. Пропали мои картинки в этой теме. Может я это починю. Я ждал когда НХ опубликует книгу о Рафаэлях и прочих художниках эпохи возрождения. Какую то статью они выпустили, но я ей остался недоволен. Этот факт - о 6 тысяч художниках за 150 лет - которые клепали картины и скульптуры всю жизнь за казенный счет - и ни одной почти не сохранилось - зато рядом эрмитаж пополнялся с каждым годом картинами и скульптурами якобы древних иностранных мастеров 1400-х 1600-х годов - они упустили, а так и написали, что рафаэль был, но писал не в 1400-х, а в 1600-х

Кстати мне удалось найти число этих художников


По самым скромным подсчётам один художник должен создавать по одному произведению искусства в 2 месяца на протяжении 30 лет. И это усреднено. Айвазовскому приписывают 3000 картин. Рембрандту порядка 350.
Это порядка миллиона произведений изобразительного и прикладного искусства 30х6х6000
А в эрмитаже столько произведений искусства и есть – и это не считая что филиал академии был в Москве, в такие императорские или королевские академии были и в других городах и странах.


Перейти к следующему (в нумерации форума ФиН) посту.

Detonator    11-05-2020  #136
Ответ на сообщение # 0

Решил возродить тему - так как картинки не отображаются. Постепенно буду все свои сообщения в данной теме дублировать с картинками и немного дополнять информацией –в данном случае прямо ссылками на книгу. И новой информацией.
Так же запустил свой ютуб канал и пока буду делать видео с оглядкой на приверженцев традиционной истории.
www.youtube.com/channel/UCqHQPiFkupqS78VkQGJE-PQ
Но в будущем хочу поднять интересные вопросы и постепенно их подводить к нужным выводам. Хотя, возможно о канале никто не узнает. Но мне просто самому интересно.

Загадки Леонардо да Винчи

Привет всем. Хочу поднять проблему европейских подделок. К примеру создания коллизея, храмов, картин Рафаэля и прочего. Когда и кем это было создано.
Для примера книга Вышеславцева 1880-х годов о искусстве эпохи возрождения.
И тут утверждается, что нет ни одного рисунка по анатомии от Леонардо, и делаются только предположения, что Леонардо наверняка изучал анатомию - так как это видно по обычным живописным работам


dlib.rsl.ru/viewer/01003596229#?page=41
Вышеславцев Алексей Владимирович Искусство Италии 15 век/флоренция 1883
Книга Вышеславцева, напомню 1880-х годов, и по его утверждению, никто в 1880-х рисунков по анатомии от Леонардо да Винчи не видел. Но зато все судят о том, какой он прекрасный анатом по его не анатомическим рисункам


Вообще и википедия нам сообщает:
"Уже после смерти Леонардо да Винчи его друг и ученик Франческо Мельци выбрал из них отрывки, относящиеся к живописи, из которых был впоследствии скомпонован «Трактат о живописи» (Trattato della pittura, 1-е изд., 1651). В полном же виде рукописное наследие Леонардо да Винчи было опубликовано только в XIX—XX веках."

То есть анатомические работы Леонардо были опубликованы только в 1800-ъ 1900-х годах.

"На сегодняшний день от дневников Леонардо уцелело около 7000 страниц, находящихся в разных коллекциях. Сначала бесценные заметки принадлежали любимому ученику мастера, Франческо Мельци, но когда тот умер, рукописи исчезли. Отдельные фрагменты начали «всплывать» на рубеже XVIII—XIX вв. Поначалу они не встретили должного интереса. Многочисленные владельцы даже не подозревали, какое сокровище попало к ним в руки. Но когда учёные установили авторство, выяснилось, что и амбарные книги, и искусствоведческие эссе, и анатомические зарисовки, и странные чертежи, и исследования по геологии, архитектуре, гидравлике, геометрии, боевым фортификациям, философии, оптике, технике рисунка — плод одного человека. Все записи в дневниках Леонардо сделаны в зеркальном изображении."

Так же автор книги «ВОРЫ, ВАНДАЛЫ И ИДИОТЫ. Криминальная история русского искусства» утверждает что Мона лиза стала популярной только после кражи из лувра и по возращению онной из кражи
Про многочисленные клопии мадон я вообще молчу. Главный вопрос зачем хранить в музеях многочисленные кривые и уродские копии? Какая в этом ценность?
kulturologia.ru/blogs/070319/42440 /





Я думаю что ранние мадонны были начаты рисоваться в 1750-е а самая крайняя версия которую мы знаем сейчас нарисована в 1830-е, тут применена воздушная перспектива. Да и что значит нарисована? Реставрация выглядит как полное дорисовывание целых кусков и изменение их размеров и цветов. Царь Николай первый пририсовывал на уже существующих полотнах одежду и солдат.

Скорее всего – были нарисованы сначала эти кривые варианты и конечно не Леонардо и потом по зданию студенты копировали эту картину постепенно улучшая. Сначала удачно получилось нарисовать руки, затем пейзаж, затем поворот головы и так далее

Бонус в книге Кипренский авторов Бочаров Глушаков – утверждается что этот портрет похож на Мону Лизу и Кипренский ей вдохновлялся. По мне так не очень похоже.


 

Астрахань  12-05-2020  #138 В одном Вы правы, в другом нет..
Ответ на сообщение # 136

//Про многочисленные клопии мадонн я вообще молчу. Главный вопрос зачем хранить в музеях многочисленные кривые и уродские копии? Какая в этом ценность?//
вот ссылочка, сходите:
chronologia.org/dc/dcboard.php?az=show_m...=55746&mesg_id=55746
Все эти странные "леонардески" мне напоминают многочисленные бюсты Ильичей в кабинетах советских начальников.


commons.wikimedia.org/wiki/Category:Leonardeschi

Только начальниками тут были, по моему предположению, не члены правящей партии, а члены всяких масонских лож..

Что же касается Рафаэля и остальных, то они, скорее всего, существовали в реальности, но до нас большей частью дошли либо в "отреставрированном", либо в "тщательно скопированном" виде.

У меня есть все основания так считать, потому что сохранились идущие вразрез (!!!) с современными описаниям картин свидетельства биографов художников типа того же Вазари, а также впечатления путешественников, видевших многое из того, что было впоследствии уничтожено.

Та же очень хорошо описанная у Вазари огромная фреска, на которой изначально были изображены средневековые евангелисты и богословы после капитальной "реставрации" 18 века в одночасье вдруг стала "Афинской школой", на которой появились "античные мужья" в простынках на голое тело.

Но это фрески, а, допустим, какого-нибудь оригинального Тициана, спокойно висевшего в венецианской церкви, вполне могли худо-бедно скопировать приехавшие туда "пансионеры", дополнив изображение обнаженным "Богом-Отцом" на небесах, после чего на стену вешалась копия, а оригинал шел либо в частную коллекцию, либо в костер...
 

Detonator  04-07-2020  #139
Ответ на сообщение # 0

Продолжаю восстанавливать статьи тут. Дополняю, дорабатываю. В современном мире нужно как то себя раскручивать. Создал яндекс дзен и ютуб канал. Пока видео и статьи более или менее традиционные
zen.yandex.ru/id/5d1d0bea042b2200ad9cded0
и видео на эту тему на моем ютуб канале


Реставрация в эрмитаже. Родовое дворянство за реставрацию!
Первая реставрация в эрмитаже митрохин уникальный метод передовой во всем мире – у западных коллег хуже (за 500 лет существования живописи)
Сидоровы – родовое дворянство за реставрацию

1.Сначала говорим что многие картины надо переводить с дерева на холст
1)парсуны, иконы 2)египетские портреты
2. И митрохин новатор опередивший европейцев.
1)школы создаются в эрмитаже – одинаково умеют и реставрировать и умеют рисовать 2) в какой то период в эрмитаже раотает только один реставратор (из статьи про реставрацию с нх) 3)какие картины отреставрировали 4)замена на масло
3. Затем как обращались с картинами (уменьшали отрезали )
4. Потом про современный способ реставрации – изменее размеров головы
5. А затем про сидоровых что им дали дворянство – за такую сложную работу
6. И вывод – может художники не должны так реставрировать
7. бонус для НХ горе реставраторы – может они открыают реальную картину старинного художника?


Так что
1. Сначала говорим что многие картины надо переводить с дерева на холст

Оказывается всем нам известные картины которые мы привыкли видеть на холстах
(показать эпизод из фильмов с вырезанием картин и сворачиванием в рулон)
первоначально были нарисованы на дереве как например иконы или портреты из Египта
До XVII века художники редко пользовались холстами, обычно в качестве основы использовали деревянные доски, а они подвергаются гниению, сохраняются не очень хорошо.


А вот на холстах картины не гниют. А почему же тогда картины старинных мастеров не сгнили? из за того что все эти старинные картины особым методом отреставрировали отделили все краски от деревянной основы и как плёнку перенесли и переклеили на холст


Я повторюсь почти Все картины раньше были на деревянной основе – Леонардо да Винчи, Рубенс Рембрандт и затем их перенесли на тканевой холст
1)парсуны, иконы
То есть раньше картины были похожи на наши иконы или парсуны (вставить пример)
2)египетские портреты
Удивительно что существуют якобы древнейшие египетские портреты
Да климат в египте сухой..но портреты то теперь не в египте!


2. И митрохин новатор опередивший европейцев.

Поразительно но даже в 1800 годах западные специалисты не имели сто процентного надёжного способа реставрации и переноса картины с одной основы на другую хотя картины великих мастеров живописи существовали уже 400-500 лет/ например леонардо 1400-1500-х годов и после их переносом выяснялось что картины начинают портиться
И только русский реставратор митрохин придумывает способ опытным в 1816 годупутем который используется чуть ли не до сих пор
Главная заслуга Митрохина в деле реставрации станковой масляной живописи – это разработка и применение нового связующего для укрепления основы. В реставрационной технике в Западной Европе и в России XVIII века все основные операции по реставрации проводились с использованием различных клеящих составов. В реставрационных мастерских Италии, Франции и Голландии это были клейстерные или воскосмоляные смеси с различными пластифицирующими и антисептическими добавлениями. Всевозможные частные реставраторы использовали различные животные клеи и даже смеси из масляных красок, жирных глин или пигментов с сиккативными маслами. Применение подобных составов оказывало отрицательное влияние на физико-химическую структуру авторской живописи. В большей или меньшей степени каждая из перечисленных смесей нарушала авторский замысел. Одни составы меняли цвет грунта, другие служили питательной средой для бактерий и увеличивали хрупкость произведения, третьи, окисляясь, влияли на химический состав красок и «пережигали» основу.
Митрохин разработал новое связующее, состоявшее из осетрового клея и пластификатора меда. В связи с медом осетровый клей, обладающий высокой силой сцепления, легко проникает сквозь сложную структуру картины, оставаясь инертным по отношению к цвету живописи и грунта. Митрохин опытным путем пришел к тому, что наилучшим соотношением является смесь одной части осетрового клея с двумя частями меда. Подобное соотношение, рекомендуемое и в современной консервации, позволяло создать пленку клея, достаточно эластичную и прочную при ведении дублирования, перевода или паркетажа. Судя по счетам на материалы с 1816 года, отношение меда и клея 1:2 всегда остается неизменным.
Применяя это связующее, Митрохин успешно освоил и разработал на нем методику дублирования и перевода живописи. Система дублирования основывалась на строгом соответствии проклеек авторского и дублировочных холстов. Воспринимая дублировочный холст как новую основу картины, он стремился, чтобы количество слоев клея, лежавших на новом холсте, уравновешивало бы сложную структуру картины. При подведении дублировочного холста Митрохин использовал ткань наименее фактурную, чтобы не оказать влияния на фактуру живописи. Чтобы избежать усадки ткани и удалить аппретуру, новый холст обязательно стирали с мылом. Так достигалось укрепление основы живописи на холсте.
Разрабатывая технику перевода живописи с одной основы на другую, Митрохин ввел применении дублировочных подрамников (известных во Франции под названием батарей). Прежде чем подвергнуться переводу, картина с лица изолировалась несколькими слоями бумажных проклеек, затем накладывалась «серпинка» либо «кисея», и картина закреплялась медово-осетровым клеем на натянутом подрамник дублировочном холсте. Распластанная таким образом на эластичном основании лицом вниз, картина подвергалась удалению основы. После ее снятия проводились выравнивание и очистка тыльной стороны грунта. Важно отметить, что на Митрохин, ни его ученики авторский грунт никогда не удаляли. Выравнивание ограничивалось шлифовкой пемзой и заполнением утрат мелоклеевым грунтом. Для придания лучшей связи картины с новым холстом между грунтом и основой подводилась кисея либо (впоследствии) марля, что, надо думать, по мысли Митрохина, должно было уменьшить пропечатывание фактуры холста.
Освоение в России третьей операции по укреплению основы – «паркетажа» - также является заслугой Митрохина. Вероятно, он ознакомился с различными видами «паркетов» на поступавших в Эрмитаж картинах из Западной Европы.
1)школы создаются в эрмитаже – одинаково умеют и реставрировать и умеют рисовать
Митрохин создает школу реставрации в эрмитаже Нужно подчеркнуть, что ученики «школы Митрохина» совмещали механические операции с живописными, они в одинаковой степени владели и той и другой стороной реставрационной практики. Человек, освоивший техническую реставрацию, во многом более осторожно и вдумчиво будет вести реставрацию живописную. Проводя технические операции по укреплению живописи, по заполнению мастикой утраченных мест, он постепенно изучает и технику, и материальную структуру произведения. Приступая к реставрации живописи, расчищая или тонирую картину, такой художник в большей степени гарантирован от утрат авторской живописи либо от слишком широких прописок. Таким был Табунцов.
4)замена на масло
Тогда же начинают заменять старинные краски старых мастеров на малсянные. То есть старые мастера писали не маслом. А в процессе реставрации – брали и подменяли основу грунта В 1863 году Сиверс занимался переводом с холста на холст огромной картины Себастьяно дель Пьомбо «Положение во гроб», он провел расчистки спиртоскипидарным составом. При обследовании в 1915 году было выяснено, что расчистка была исполнена некачественно. Среди материалов, употребленных Сиверсом на перевод этой картины, впервые появляется огромное количество масляных белил. Это наводит на мысль, что именно в бытность его руководителем технической реставрацией Эрмитажа вводится практика замены авторских многослойных эмульсионных грунтов упрощенными, чисто масляными, свойственными XIX веку. Причины увлечения масляными грунтами следующие: во-первых, масляный грунт почти не втягивает масла из наносимых красок, вследствие чего они не жухнут, что значительно облегчает живопись; во-вторых, к середине XIX век окончательно предается забвению техника старых мастеров, где сложные грунты играли важную роль при многослойном ведении живописи.
2) в какой то период в эрмитаже раотает только один реставратор (из статьи про реставрацию с нх)
«К середине XIX века мастерская Эрмитажа оставалась единственной реставрационной организацией в России. После кончины в 1845 году Митрохина и почти всех его сподвижников и учеников в мастерской оставался лишь один художник, прошедший эту школу технической реставрации – Табунцов.»
Вообще это странно: одна единственная организация-это Эрмитаж!
Огромный богатейший музей, императорский – обладает только одним человеком для реставраций!

3)какие картины отреставрировали

«Почти се картины музейного собрания прошли через руки реставраторов за шесть лет (1846-1852 годы).»
«среди переводов, проведенным Табунцовым за 30 лет работы в Эрмитаже, - ряд знаменитых произведений живописи: «Жертвоприношение Авраама» и «Святое семейство» Рембранта, «Венера с купидоном» Кранаха, «Непорочное зачатие» Мурильо, «Танкред и Эрминия» Пуссена, «Святой Иероним» Риберы и многие другие шедевры великих мастеров.»
В 1864 году Николай Сидоров провел перевод шедевра П. Рубенса «Персей и Андромеда», а в 1865 году Александр Сидоров переложил с дерева на холст гордость Эрмитажа – «Мадонну Литта» Леонардо да Винчи.
Ещё интересный факт что даже знаменитую уже современную картину Ивановна явление Христа народу тожеотреставрирвоали и перенесли с одного основания на другое – хотя картина 1800-х годов!

3. Затем как обращались с картинами (уменьшали отрезали )

С картинами раньше не церемонились и могли отрезать целые куски – зачем?
ourarts.ru/?p=2508
1) Из этой прекрасной традиционной статьи мы узнаем, что картина при поступлении в Эрмитаж (судя по документам и записям) была других размеров отличной от современной. Причем аж на 20 см!
«При поступлении размеры картины были 144X86 сантиметров. Измерили. Нынешний ее формат 144X68 сантиметров. Значит, действительно срезали часть картины? И именно в Эрмитаже? Кому же и зачем это понадобилось? Может быть, с картиной что-нибудь случилось? Действительно, случилось. Но не в Эрмитаже.»
2) кусок картины отрезали от ночного дозора Рембрандта
3)изначально в книге Вазари упоминается Леонардо да Винчи и его мона Лиза – и в описании Вазари упоминаются 2 колонны которые отчетливо видны, а сейчас на мона Лизе никаких колонн нет – ученые пришли к выводу что их там же могли отрезать
Более того реставраторы причем западные зачем то наносят подсвеченный лак который вредит картине
То, что картине за ее долгую историю пришлось испытать многое, было видно невооруженным глазом. Желтый, специально подцвеченный лак, которым она была покрыта во время одной из реставраций (мода на такой лак существовала в конце XVIII—начале XIX вв.), явно был во вред картине: делал живопись менее объемной.
Очень странная мода 18-го века. А что было до 18-го века? Мода на какой лак? А может это была первая мода?


Более того картинам могли пририсовывать другие художники, детали и целые куски спустя много времени после смерти художника – не реставрировать а именно пририсовывать изменять картину.
1)В 1956 году в архиве Эрмитажа в материалах, относящихся к XIX веку, ей удалось обнаружить рапорт одного из хранителей, Ф. Лабенского. В нем было сказано следующее: когда в 1807 году картина «Юдифь с головой Олоферна» была передана реставратору Перонару — надобно было, для сохранности, перевести ее с дерева на холст,— выяснилось, что дело сие осложняется тем обстоятельством, что «с обоих боков оной картины по нескольку вершков приписано другим художником, о чем и было представлено его сиятельству, господину обергофмаршалу, на что получена резолюция: «Все то, что с обоих боков приписано, обрезать и оставить ту часть, которая написана Рафаэлем, а потому оная картина не будет иметь той меры, которая означена в каталогах Эрмитажа».
2)одну из копий мона Лизы – зачем то закрасили фон поверх черным. Зачем?
3) царь император Александр первый подходил к картинам висевшим у него во дворце и пририсовал туда людей – утверждает Айвазовский
4. Потом про современный способ реставрации – изменение размеров головы

Посмотрим как проходит «правильная» реставрация «старинной» картины.
Сама по себе авторская живопись, в общем, сохранилась хорошо. Но немало отсебятины внесли те, кто на протяжении веков прикасался к ней своей кистью — восстанавливая или пытаясь восстановить утраты. Или были закрашены, переписаны и небо, и дерево, часть стены, и трава, и пейзаж на заднем плане. (что это зачем?)
Стараниями и трудами А.М. Маловой отмылось небо и видна стала на заднем плане холмистая равнина, которую до реставрации можно было принять за озеро. На ограде стала видна растительность. «Нашлась» — после того, как были удалены остатки второго дерева,— и часть стены. Стали видны на земле один большой и несколько мелких камней. Засверкало красивейшей гаммой оттенков красного, меняющихся под воздействием света, платье Юдифи. Прорисовалась рукоятка меча. И еще яснее, одухотвореннее стало лицо Юдифи.
Оказывается, изменялась величина головы Юдифи, первоначально голова была несколько больше. Изменил Джорджоне и прическу своей героини. Несколько иначе в первом варианте были написаны и пальцы на ее левой руке. На платье Юдифи, на стене, слева от нее, на небе так и остались отпечатки пальцев самого художника.

То есть все последующие авторы портили изначальную картину? Но зачем? Что это за деградация от прекрасного шедевра – все последующие художники имели гораздо более плохой художественный вкус чтобы в наше время вновь иметь такой же высокий уровень вкуса как в 1500-е? И Неужели кто-то подошел к картине когда то и сказал: «голова слишком большевата – а давайте мы ее перерисуем прямо на оригинале – и кто то прямо на оригинале картины перерисовал голову уменьшив ее – и заказчик такой: « А ну отлично теперь гораздо лучше!» поражает так же что те кто это пририсовывал менял – говорится как о каких то неизвестных –неужели нет никаких документов кто и когда и зачем так издевался над картиной? Будь она в музее то да. А если предположить что к картинам относились изначально как к каким то подделкам на скору руку не стоящим ничего – то такое потребительское отношение вполне оправдано.
Но все реставраторы зачем то и прекрасные художники – может вся эта реставрация это просто дорисовка картины. Первоначально картина была нарисована хуже –кривая перспектива, цвета, анатомия –но со временем художники узнавали больше –но эти картины уже видели другие люди, они есть в каталогах есть гравюры – и тогда картину просто дорисовывали поверх. Вообще любая реставрация это как бы дорисовка картины
5. А затем про сидоровых что им дали дворянство – за такую сложную работу

В особенности широкую известность как мастера технической реставрации живописи получили братья Сидоровы, с чьими именам связывают самые массовые «переводы» в истории эрмитажной реставрации. Братья Николай, Александр и Михаил Сидоровы, причисленные в качестве столяров к картинному отделению Эрмитажа, обучились навыкам технической реставрации под руководством Табунцова. В 1864 году Николай Сидоров провел перевод шедевра П. Рубенса «Персей и Андромеда», а в 1865 году Александр Сидоров переложил с дерева на холст гордость Эрмитажа – «Мадонну Литта» Леонардо да Винчи. Директор Эрмитажа С.А. Гедеонов предложил перевести кого-либо из братьев в реставраторы. Особенно отмечая Александра за его перевод «Мадонны» Леонардо, он писал, что «работа эта представляла почти неодолимые затруднения по той преимущественно причине, что помянутая картина писана на самом легком грунте, тем не менее эрмитажный столяр Александр Сидоров, которому поручено было это крайне опасное дело, исполнил его при неусыпном шестимесячном труде с таким совершенством, что едва ли другой европейский музеум в состоянии явить пример подобной во всех отношениях оконченной и удачной перекладки».
70-х годов, кроме Александра и Николая, технической реставрацией живописи в Эрмитаже занимается и их младший брат Михаил. С середины XIX века вплоть до середины XX века техническая реставрация в Эрмитаже переходит в руки семьи Сидоровых. Глава династии Сидоровых Александр Сидорович (1835-1906) (Николай Сидоров, несмотря на свое старшинство, уступил первое место Александру, как наиболее искусному в деле реставрации) благодаря своему таланту сделал головокружительную карьеру. Из крепостных крестьян Костромской губернии, начав службу в качестве столяра при Эрмитаже, он дошел до должности хранителя картинной галереи. За свою реставрационную деятельность он был награжден рядом орденов и медалей, а также пожалован личным, а затем и потомственным дворянством. Возглавляя более 30 лет техническую реставрацию Эрмитажа (1873-1906), он провел огромное количество работ по переводу живописи с одной основы на другую. Им лично было переведено свыше двухсот картин из различных собраний. Среди наиболее известных работ следует назвать «Мадонну Литта» Леонардо да Винчи, «Мадонну Конестабиле» Рафаэля, «Явление Христа народу», А. Иванова, «Антверпенских стрелков» Тенирса, «Вакха» и «Вакханалию» Рубенса, «Благовещение» Г. ван дер Гуса, «Поцелуй украдкой» Фрагонара, «У постели больного» Греза, «Принятие св. Константином христианства» А. Дель Кастаньо, «Грешницу» Г. Семирадского…


6. И вывод – может художники не должны так реставрировать

Имеют ли право художники так сильно менять картины? Например тут на Рембрандте изначально было даже лучше контрастней – это такой прием в низком ключе. На оригинале не понятно какого цвета волосы может они черные – но его сделали светло волосым.

Идет обратная тенденция портить картины менять их в угоду каким то своим целям Бонус для нх; я ранее писал что рембранд это вполне возможно наш русский художник кипренский и это уже рассвет мастерства портретов. У рембрандта кипренского хромает только анатомия лошадей.
7. бонус для НХ горе реставраторы – может они открывают реальную картину старинного художника?
Всё чаще и чаще всплывают истории о горе реставраторах якобы испортивших картину, например о том как Реставратор мебели из Валенсии испортил копию известной картины «Непорочное зачатие» испанского живописца эпохи барокко Бартоломе Эстебана Мурильо (родился декабря 1617, крещён 1 января 1618, Севилья — 3 апреля 1682, там же)
mir24.tv/news/16415253/kartofelnaya-mado...l-izvestnuyu-kartinu ?
utm_source=yxnews&utm_medium=desktop&utm_referrer=https%3A%2F%2Fyandex.ru%2Fnews



Но ведь процесс реставрации это снятие плохих слоев дорисованных сверху не авторами картин, как мы узнали выше из статьи – и в итоге должна проглядывать истинная красивая первоначальная живопись. Реставратор являясь заложником ошибочных предсавлениях о там как и когда создавались картины с уверенностью ожидал увидеть самым первым авторским слоем – самый красивый вариант портрета девушки. Художник этот рисовал в 1600-е года. Но ведь именно в это время порттерт выглядят так как парсуна и это лицо якобы испорченное реставратом вполне походит на парсуну

То что рисовали прямо поверх оригинальных работ мы тоже узнали из статьи. Может это именно одна из старйшин картин – как раз 1600-х годов и ее множество раз дорисовывали сначала на дереве затем перенесли на холст и все это время дорисовывали поверх более современные художники. Хотя может это шум вокруг этого автора для рекламы или еще чего
Я думаю нет НЕ ЕДИННОЙ не отреставрирвоанной старинной картины

Причем в одном случае упоминается что реставрация шла 6 месяцев. Айвазовский рисовал по 4-6 картин за месяц. А тут реставрация длиться 6 месяцев. Почему7! что там можно такого нареставрировать?!

"Особенно отмечая Александра за его перевод «Мадонны» Леонардо, он писал, что «работа эта представляла почти неодолимые затруднения по той преимущественно причине, что помянутая картина писана на самом легком грунте, тем не менее эрмитажный столяр Александр Сидоров, которому поручено было это крайне опасное дело, исполнил его при неусыпном шестимесячном труде с таким совершенством, что едва ли другой европейский музеум в состоянии явить пример подобной во всех отношениях оконченной и удачной перекладки»."

Полагаю в Европейских музеях было тоже самое. И там нет не отреставрированных Работ. Кстати: за это можно уцепиться. Сидоровы реставрировали уже

"Николай Сидорович Сидоров (1825-1888) был особенно известен дублировками большемерных картин эрмитажного собрания. В 1867 году он исполнил дублирование сорока картин фламандской школы, за что был награжден серебряной медалью «За усердие». Среди наиболее известных произведений живописи переведенных Николаем Сидоровым с одной основы на другую, можно выделить «Персея и Андромеду» Рубенса. За 30 лет работы в Эрмитаже (1858-1888) им было паркетировано около 30 картин, дублировано более 200 и переведено около 15 картин с различных основ."

Что за дублирвоания 200-х картин? он дублировал 200 картин?! Зачем? кстати - любой ЛЮБОЙ шедевр античной или какой либо живописи содержит хотя бы одну копию, а чаще этих копий несколько, и звание оригинала может кочевать и академики спорить. Не для этого были ли произведено дублирование?!

Обратим внимание на годы жизни дубликатора: 1888 - год смерти. Все основные, античные, и эпохи возрождения картины были "отреставрирвоаны" дублированы до 1888-го года.

А 21 апреля (3 мая) 1870 родиться Александр Бенуа - который оптом опишет все шедевры Эрмитажа. Я думаю, что все основные шедевры к тому времени, когда Александр писал эту книгу - уже были "Отреставрированы"

Примечательно, что самый младший брат "реставрирует" уже современников. Старинные картины уже не надо, да и слишком заметно...

Первоисточник:
Реставрация станковой масляной живописи в России. Развитие принципов и методов. А.Б. Алешин, 1989

www.rg.ru/2004/12/09/piotrovskiy.html
"- Почему не прекращаются разговоры о том, что в Эрмитаже идет подмена картин?

- Все разговоры о подменах картин в Эрмитаже происходят от малограмотности. Только малограмотный человек может себе представить, что шедевры, которые здесь висят и которые всем знакомы, можно подменить. Но эти пустые разговоры совсем не безобидны."

В современном мире свой труд надо как то раскручивать. Вот создал ютуб канал. Пока тестирую формат, учусь. Так же у меня есть канал на яндекс дзен. (Ссылки в начале этого поста.)

Detonator  04-09-2020  #140
Ответ на сообщение # 0
              
Новая статья и видео - стараюсь каждый раз улучшать качество статей и видео. Также попробовал добавить ссылки на яндекс кошелек и патреон - мало ли кто захочет помочь каналу. И мне будет сподручнее писать статьи.

1)В этой статьей - в Лувре изначально была академия живописи

2)Рядом со всеми знаменитыми музеями изобразительных искусств есть еще более старые академии

3) портреты русских художников в уффици

 - это же в видео. Статью тут и на яндекс дзен дополню скоро картинками

подробней на яндекс.дзен  zen.yandex.ru/id/5d1d0bea042b2200ad9cded0

поддержать автора
money.yandex.ru/to/4100158307423
www.patreon.com/user?u=38927939

agent-40.livejournal.com/43726.html  - русские художники уфиции

fr.wikipedia.org/wiki/Acadé ;mie_royale_de_peinture_et_de_sculpture - в лувре изначально была королевская академия художеств

artsacademy.ru/additionally/news/1006/ - в лувре изначально была королевская академия художеств

www.uffizi.it/mostre-virtuali/uffizi-virtual-tour  - галерея уффици 3д тур вр


en.wikipedia.org/wiki/List_of_self-portr...n_the_Uffizi_Gallery  - галерея автопортретов уффици

agent-40.livejournal.com/43726.html  - русские автопортреты уффици

ru.wikipedia.org/wiki /Продажа_картин_из_коллекции_Эрмитажа

Сегодня мы поговорим про некоторые самые известные и старинные музеи изобразительных искусств в мире! Расскажу когда они были созданы, как пополнялись их коллекции и чем они знамениты. А так же как эти музеи связаны с Россией!
Вы на канале интересная история, а зовут меня Семен, поехали.
1. Самый известный и самый большой, и один из самых старых – Лувр. Знаменит он картиной Леонардо да винчи мона лиза, большой коллекцией работ рембрандта и тициана, статуей Венеры Милосской, статуей Ники Самофракийской а так же египетским залом.
Две статуи Рабы» Микеланджело( «Восставший раб» и «Умирающий раб»)
Про мона лизу вы все знаете.
Венера милосская и ника самофракийская это древнейшие статуи в мире 2 века до нашей эры!
Египетский зал – примечателен тем что тут находятся подлинники древне египетской культуры. Например Дендерский зодиак. Данный рельеф, который Джон Х. Роджерс характеризовал как «единственную полную карту древнего неба, которую мы имеем»<1>, предположительно служил основой, на которой были построены более поздние астрономические системы – Этот зодиак, который простоял на своем месте с 50 года до нашей эры, просто выломали из египетского храма в 1820-м французы и привезли во францию в лувр. Наверное для большей сохранности.

Примечательно что в Лувре с 1692 года изначально была королевская академия художеств и скульптуры. Академию потом перенесли в соседний замок, расположенный в 9 минутах хоть бы от Лувра и назвали Национальная высшая школа изящных искусств. А на основе работ художников и скульпторов была сделана первая выставка в 1792-м году. Которая потом переросла в постоянный музей, и музей открылся для посетителей в 1793-м. В лувре есть как древнейшие произведения искусства, так и картины 1700- 1800-х годов и самих французов из академии.

ркк
2. Галлерея уффици.
Два века назад, ещё до официального открытия в 1769 году, Галерея была известна, и её можно было посещать по предварительным заявкам. В 1591 году в путеводителе по Флоренции, составленном Франческо Бокки (англ.) русск., о Галерее говорилось, что она «одна из наиболее превосходящих по красоте… в мире», «полна античных статуй, благородной живописи и драгоценнейших предметов». Сюда были собраны «для красоты, для изучения, для удовольствия» шедевры Леонардо да Винчи и Микеланджело. Сегодня в Галерее Уффици находится ни с чем не сравнимое художественное достояние: тысячи живописных полотен от средневековых до современных, античные скульптуры, миниатюры, гобелены. Эта Галерея единственная в мире обладает уникальным собранием автопортретов, постоянно пополняемым непрекращающимися покупками и дарениями современных художников, а также исключительной коллекцией Кабинета рисунков и эстампов (в городе, где по традиции существует «примат рисунка»).
Коллекция автопортретов постоянно пополняется , получить заказ на автопортрет для Уффици
было для любого художника очень престижно. Но и не дожидаясь заказа, многие художники
преподносили свои автопортреты в дар музею, поэтому в галерее рядом с холстами великих
мастеров можно увидеть и автопортреты ничем не примечательных живописцев.
Не все портреты галереи являются шедеврами, но сама идея коллекции чрезвычайно
любопытна. Автопортреты художников есть во многих музеях мира, но галерея автопортретов
в Уффици собиралась сознательно и целенаправленно как своего рода "доска почета
передовикам творческого "производства". В Галерее есть например автопортреты Рафаэля, Рембрандта, Ганса Гольбейна.
Для этой галереи по их заказу написал портрет наш русский художник арест Кипренский (1820-м) году, Айвазовский, и Кустодиев. Примечательно что сейчас эти портреты убрали в запасники. И не мудрено ведь работ кипренского сейчас сохранилось очень мало и по его работам называть его гением точно проблематично. Брюллову так же было предложено написать портрет для галереи и он его написал, но свой потрёт туда не отдал. Академия изящных искусств (Флоренция) находтся в 14 минут пешей прогулки от музея. Причем В залах Галереи академии изящных искусств размещаются такие всемирно известные произведения скульптуры, как «Давид» и «Пленники» Микеланджело, «Похищение сабинянок» Джамболоньи, а также лучшие образцы живописи Флоренции XV—XVI вв. Галерея Академии является одним из крупнейших художественных собраний Флоренции. Так что будете во флоренции можете в одном месте увидить столько произведений искусства рядом!

3. Эрмитаж. Достаточно известный во всем мире музей и достаточно крупный. Поразительно, но эрмитаж был основан в 1764 императрицей екатериной 2, то есть раньше Лувра, но он был не для всеобщего посещения а только по приглашению императрицы. В 1852 году из сильно разросшейся коллекции был сформирован и открыт для посещения публики Императорский Эрмитаж.
До революции 1917 года был известен самой большой коллекцией работ рембрандта в мире. (вставить из энциклопедии брокгаузена и ефрона. Непоправимый урон собранию нанесли распродажи в 1929—34 годах, в результате которых 48 шедевров навсегда покинули Россию<14>. Эрмитаж лишился единственного произведения Ван Эйка, лучших вещей Рафаэля, Боттичелли, Хальса и ряда других старых мастеров.
Примечательно, что рядом с Эрмитажем находится академия художеств, которая была открыта в 1750-м году и существует до сих пор. Находится она в 300 метрах от эрмитажа. И примечательна тем что в Эрмитаже нет ни одной работы из академии художеств, хотя академия существовала с эрмитажем рядом 270 лет и выпустила тысячи художников. Рядом с академией художеств в питере стоят так же подлинные маленькие сфинксы из египта
4. Лондонская национальная галерея музей в Лондоне на Трафальгарской площади, содержащий более 2000 образцов западноевропейской живописи XIII — начала XX века. Входит в первую пятёрку самых посещаемых художественных музеев мира. Галерея открыта 9 апреля 1839 года. Иногда датой основания считают май 1824 года Картины в галерее экспонируются в хронологическом порядке. Так же рядом как и со всеми музеями здесь в 12 минутах хоть бы находится Королевский колледж Лондона, в котором есть основанный в 1831-м London Faculty of Arts (1831)

Detonator 24-03-2021  #141
Ответ на сообщение # 0всем привет.



новое видео на моем канале. Тут интересное предположение о том кто на самом деле изображен на картине Рембрандта урок анатомии Доктора Тюльпа.

Кстати, у кого нибудь есть инвайт на пульс от mail.ru? с дзеном не очень получилось - не хотят рекомендовать мой канал, а хотелось бы большей и широкой огласки. Ну хоть качество статей чуть поднял - перестал использовать копипаст, а стал своими словами его заменять.

...
Астрахань 25-03-2021 #142 "Очень понравился художник"
Ответ на сообщение # 141

Адольф Хиреми-Хиршль «Души на берегу Ахерона». 1889 год. Собрание галереи Бельведер, Вена.

ffeztromop.livejournal.com/80526.html

Это крутой мастер - из тех счастливчиков, выигравших поездку в Рим:

//Родился 31 января 1860 года в Темешваре (тогда Австро-Венгерская империя) в еврейской семье<1>. Вырос в Вене, где в 1878 году получил стипендию для обучения в Академии изящных искусств. В 1880 году, будучи двадцатилетним начинающим художником, его первое полотно «Прощание: сцена перехода Ганнибала через Альпы» получило приз за историческую живопись....

За этим последовала вторая премия, которая позволила ему посетить Рим, в котором он прожил до 1884 года. Его опыт в Риме оказал глубокое влияние на его работы, особенно в его предпочтении сцен из древнеримской мифологии и истории. Вернувшись в Вену, Хиршль выставил в Риме большое полотно с изображением чумы, написанное в 1884 году. Вскоре у него появилась успешная карьера художника — получая многочисленные заказы и создавая грандиозные, сложные композиции исторических или аллегорических сюжетов, его картины удостаивались больших похвал от критиков и знатоков. Картины Адольфа выставлялись по всей Европе, и художник достиг пика своей венской карьеры, когда он получил Императорский приз в 1891.//

Он и умер в Риме в 1933 году...пятьдесят лет безостановочно работал и оставил нам кучу рабочих набросков и пять-шесть картин.

Куда ж девалось все остальное?

....
Прагматик  05-04-2021 #143 
Ответ на сообщение #9

Разные мнения -- это то, что не даёт Новой хронологии закостенеть.
Альтернативизм позволяет сторонникам НХ разговаривать с вменяемыми историками.
Если вы изучали альтернативную историю, вы не могли пройти мимо книг серии ХРОНОТРОН, а именно "Другая история искусства" и "Другая история литературы", где немного затрагиваются и вопросы архитектуры.
В любом расследовании следует рассматривать разные версии и из них выбирать наиболее рабочую. В частности, руководствоваться теорией конструктивного альтернативизма. Подход, когда сначала излагаются выводы, а потом приводятся соответствующие доказательства с одновременным замалчивание несовместимой с выводами информацией, следует считать порочным.  
...
Прагматик  05-04-2021 #144 "RE: Вазари издали на русском только в 1968 году!!!"
Ответ на сообщение #28

 В истории живописи, если говорить о ней, существовали две парадигмы: первая (назовем ее Культ традиции) изучала внешний мир, объективную реальность; вторая (назовем ее Культ новизны) исследовала мир внутренний, субъективную реальность. Культ новизны иначе зовётся модернизмом. Постмодернизм -- это переходный этап от второй парадигмы к третьей (назовем ее Культом альтернативы).
АЛЬТЕРНАТИВИЗМ в живописи, созданный по большей части моими усилиями, отражает альтернативную реальность, в которой, естественно, была альтернативная история. На Свободной площадке вы можете прочитать три манифеста альтернативизма.

Кстати, на Фейсбуке есть страница Новые искусствоведы, на которой можно оставлять комментарии. Есть также группа ALTERA PARS, где вы можете делать публикации. В том числе видео.  

Дополнение к теме " Общий глобальный сценарий создания европейского искусства (detonator)"

Рисунки, которые находились в папке темы на форуме НХ, но которые не удалось приписать к какому-либо посту темы.

Всем привет. Это автор этого исследования, который писал под ником detonator. Не знал, что ветку форума перенесли сюда. Сообщения на этом форуме вдохновили меня продолжить тему искусства. На данный момент все новые и новые факты подтверждают мои догадки.
Я действительно планирую оформить это свое исследование и посты в книгу. Данную тему начал вести просто ради интереса, но втянулся.
Заметил, что даже подготовленная аудитория данного форума не совсем согласилась со мной. Что же говорить об людях придерживающей традиционной истории? Думаю я не достаточно привел доказательств. Да и многие картинки-примеры с форума пропали.

У меня вопрос к вам как лучше оформить это в книгу:
1.       сразу только для тех кто в теме истории ФиН.
2.       Либо попробовать захватить и тех кто пока только сомневается немного?

Я склоняюсь к тому, чтобы привлечь как можно больше широкой аудитории. Пусть это будет книга нестыковок и загадок, которая к середине книги начнет рассказывать о том, как было создано европейское искусство.Кстати я планирую и художественную книгу на данную тему. Даже есть черновой художественно-исторический рассказ.  

Призываю вас поддержать мои начинания и подписаться на мои новые блоги. zen.yandex.ru/id/5eb9ca920481e006c6ca322a Надо пройти по ссылке и если у вас есть почта на яндексе нажать подписаться.Это ни к чему вас не обязывает. Только дзен будет вам чаще показывать мой канал, а мне даст больше мотивации создавать новые статьи.Сообщения на этом форуме вдохновили меня продолжить тему искусства. Новые найденные мной факты только подтверждают мои догадки.

Остаются вопросы: кто знал об этом глобальном заговоре? Рядовые художники конечно наверняка не знали, но всплески смертей и сумасшествия среди художников 1700-х годов, скорее всего от того что информация просачивалась. (А не ли это ли интересный сюжет для художественного-исторического романа?).

Если у вас есть какие то вопросы по теме этого исследования. Можете спросить.

А теперь загадки:1)загадка 1: Где картины 1750-х 1800-х русских художников ? Куда они делись? Почему их не хранили в музеях ? 2) зачем и для чего нужно было столько исторических живописцев ? 3) зачем в академии художеств брали крепостных и родители писали отказ от детей? Почему в академию художеств брали с 5-ти лет и не пускали на улицу чтобы они не нахватались «чего ни будь дурнова?» 4) скачки уровня рисования художников разных столетий 5) существование картин одной эпохи и столетия с очень разными уровнями исполнения. 6) почему академии художеств всей Европы и России сотрудничали друг с другом и лучших из лучших отправляли в Италию в Рим и другие древние европейские города на стажировку рисования копий, копию одной картины художник мог рисовать несколько лет и получать за это деньги. А по приезду за эту копию получал еще и золотые медали и звание академиков. Некоторые художники сходили в Италии с ума…

Здравствуйте. Буду писать тут продолжение своего исследования про художников. В книге «Реставрация станковой масляной живописи в России» Алешин А.Б. Л., 1989 г. упоминается интересный загадочный факт:

«Реставрация станковой масляной живописи в России» Алешин А.Б. Л., 1989 г. Очень загадочная и захватывающая информация
В течение ровно одного года (с июля 1845 по июль 1846) умирают 4 реставратора Эрмитажа: Душинский (1800–1845), Рыбин (1795-1846), Митрохин (1765–1845), Верга. И это был почти весь реставрационный состав Эрмитажа того времени, так как до этого умерли реставраторы Эрмитажа Франц Бенчини (в 1841-м), и Винченцо Бриоски (в 1843-м).

В. Бриоски. Каин, осужденный Господом. 1813.
Многие из реставраторов заканчивали Академию Художеств и могли сами полноценно писать собственные картины, что мы видим на примере Винченцо Бриоски. Он обучался во Флорентийской Академии, а затем и Санкт-Петербургской. Кстати, разные источники называют его то Винченцо, то Викентием. А так же книга «Реставрация станковой и масляной живописи» утверждает, что умер он во Флоренции, куда уехал в отпуск в 1838-м и где продолжил реставрацию картин Эрмитажа. Википедия же, ссылаясь на русский биографический словарь, указывает на то, что умер он в Петербурге. Алешин же ссылается вообще на какой-то западный немецкий источник: F. Pecht. Suddeutsche Presse,n.415, 417, 420.

А. Ф. Митрохин (1765–1845) Заслуженный реставратор Эрмитажа. Разработал новые и усовершенствовал существующие методы реставрации.

Наибольшую загадочность и трагичность этой истории придает тот факт, что в этот роковой год один из реставраторов (Рыбин) сходит с ума и совершает самоубийство. Это только мое мнение, но не стала ли именно реставрационная деятельность причиной сумасшествия? И если Митрохину в тот год исполнилось 80, и смерть в таком почтенном возрасте вполне обычна, то Якову Душинскому  ‒ в момент смерти всего 45 лет. Сколько лет Верге, мне не удается узнать. Рыбину (он поступил в реставрационную школу в 1819 году и до конца своих дней работал в Эрмитаже) в 1845-м было 50 лет.Я даже обратился к юбилейному справочнику Академии Художеств под авторством Кондакова, содержащему краткие сведения о более 6000 художников Академии, но не нашел там ни Рыбина, ни Верге. Сам Алешин в своей книге ссылается на архивные записи в музеях. Это тоже подозрительно. Вроде факт есть, а вроде он и не афишируется. Даже имена этих реставраторов и выпускников Академии Художеств не вставили в юбилейный справочник.Еще один загадочный факт ‒ Верге, до своей кончины в роковой год, смерти сразу 4-х реставраторов, проработал только 4 года, так как поступил на службу реставратором только в 1842-м.Я думаю, что нет ни малейшего повода сомневаться в достоверности этих данных ‒ это академическая, научная книга, выпущенная еще во времена СССР.Мне вспомнилась еще одна странная смерть художника Академии в самом расцвете сил ‒ Деладвез Степан Францевич. Он умер в 37 лет. Мое воображение сразу же нарисовало связь между этими загадочными смертями. Нет точной даты смерти: умер он в 1854 или в 1855-м.Как видим, сходство в загадочности есть ‒ так же нет точной даты смерти. Как будто он умирал секретно, и ни кто не знал о его смерти. Как нет записей об этих реставраторах в справочнике о выпускниках Академии. Но Деладвез уехал в Италию именно в 1846-м! Именно в этот роковой год для реставрации. В Италии он делал копии знаменитых станцев Рафаэля и другие копии на знаменитых итальянских художников.Конечно, в то время много из-за чего могли умереть: и бедно жили, и медицина была не очень развита. Также могу вспомнить раннюю смерть Полякова (1801-1835), который помогал портретисту Доу, а по факту был его  чернорабочим и художественным негром. Умер Поляков в 34 года. Судя по книге советского писателя Глинки «Судьба Дворцового гренадера», причиной стала болезнь легких. По мнению Глинки ‒ косвенной причиной стало перегорание в результате работы на Доу.Можно обнаружить закономерность: ранние смерти художников происходят раз в 10 лет. Реставраторы умерли в 1846-1845-м, Деладвез в 1855-м, а Поляков в 1835-м.История искусств знает много историй об отечественны художниках, которые сходили с ума и о художниках, ушедших рано. Самые загадочные случаи сумасшествия и трагической смерти встречались у крепостных художников из Академии Художеств 1700-х 1800-х годов, которых оказалось не мало.  Возможно, поговорим о них в будущих статьях.

В этой статье мы узнаем про отечественных художников, которые сходили с ума в 1700-х и попробуем дать ответ на вопрос, почему это происходило. Все мы знаем про современных художников сошедших с ума: Ван Гог отрезавший ухо, Врубель (1856-1910) который очень часто лечился в сумасшедших домах, Луис Уэйн (1860-1939) заболевший шизофренией. Эдвард Мунк (1863-1944) который попал в лечебницу для душевнобольных и подозревал всех в заговоре против себя и страдал манией преследования. Кстати, Мунк ученик Королевской Академии художеств, выигравший французскую премию-стажировку.

Различные стили, использовавшиеся Луисом Уэйном когда он заболел шизофренией
Но оказывается, художники сходили с ума и в 1700-е.И это странно так как почти все художники того времени были или учениками академий художеств в которых они обучались с детства с 5-10 лет, либо дворянами. И академии контролировала всю их жизнь и оплачивала. Художники даже в пенсионерских поездках в Рим должны были присылать отчеты в академию о своей деятельности. При этом художники могли быть успешными и известными и брать много денег за свое творчество. То есть художников опекала академия всю жизнь. Так же у художников того времени были целые художественные артели и сообщества. В академии они жили вместе, и в Риме все русские художники держались вместе и помогали друг другу.Художники времен Врубеля уже этого были лишены и должны были выживать сами по себе.Примечательно что художники жили в академии с детства, иногда с 5 лет и до 20 лет не имели контакта с окружающей средой. Есть указ в уставе академии чтобы ученики не усвоили ничего дурного не пускать их за стены академии. Родители писали отказные от своих детей (так например, говорится в биографии Кипренского). То есть художники ничего не знали об окружающем их мире.
1. Кокоринов - Призрак академии художеств

А. Ф. Кокоринов, 1769 Портрет работы Д. Г. Левицкого
И первым будет Александр Филиппович Кокоринов (1726 –1772). Первый директор и ректор питерской академии художеств, строитель здания академии художеств, архитектор. По невыясненным причинам (существует множество версий) заболел душевно и физически, стал худеть, стал задумчивым, стал заговариваться и в припадке меланхолии повесился на чердаке Академии художеств. Это обстоятельство стало питерской городской легендой, по которой Кокоринов стал «Призраком академии художеств» и его душа обречена вечно бродить в созданных им же стенах академии.

Журнал Нева рассказывает о легенде о Призраке. Про этот журнал Нева убрали с вики.Примечательно, но и его дочь и жена тоже рано погибли. Жена в 1781-м в возрасте 39 лет. А дочь в 1785-м в возрасте 22-х лет. Будто Кокоринов знал какую то тайну, сообщил своей семье и это послужило причиной загадочных ранних смертей … Но это только мое мнение.
2. Лосенко (1737- 1773)

Стоит упомянуть, что другой известный исторически живописец художник Лосенко умер спустя год после Кокоринова в 36 лет! И Лосенко так же был ректором академии! Лосенко назначили ректором академии сразу после кончины Кокоринова. Наверное следующим ректорам было боязно становиться ректорами академии.Существуют множество версий и домыслов о Лосенко. Где то пишут, что Лосенко пил и умер от алкоголя, кто то от большого перенапряжения и нервных срывов.Кстати, книга Михайловой «Учебный рисунок в академии художеств 18-го века» рассказывает нам что мастерство и картины Лосенко очень ценились как у нас так и на западе. Лосенко был награжден золотыми медалями, как в России так и во французских академий художеств за свое творчество. Дидро и Фальконе восхищались работами Лосенко. Президент французской академии художеств восхищался работами Лосенко.
3. МИХАИЛ ТИХОНОВИЧ ТИХОНОВ (1789–1862)
Ученик Академии художеств в Питере, по происхождению крепостной. В 28лет, в 1817 году принял учатсие в кругосветной эскпедиции Василич Головнина на корабле «Камчатка». Тихонову как художнику нужно было рисовать всех жителей стран которых он посетил во время этого кругосветного путешествия, но успел он нарисовать только алеутов, аляскинцев и камчадалов.

Работы Тихонова из этого кругосветного путешествия. Обратите внимание, что индеец держит бутылку и стакан.

Где-то на Филиппинах крепостной художник начал предаваться задумчивости, впадать в ипохондрию и в итоге сошел с ума.В 1818-м вернулся в Россию, где его упрятали в сумасшедший дом. Последующие 40 лет за ним, за государственную пенсию, ухаживали в семье его друга художника. В себя Тихонов так и не пришел, что же он там увидел на Аляске в северной Америке? Что его свело с ума? Наверняка его поразили рабовладельческие штаты и slaves(рабы) – slavs (славяне). Такая странная схожесть этих слов вполне может означать, что в сша воевали не против рабов (slaves) а против славян (slavs) и славянских штатов (slavs state). Может он увидел, что США принадлежит тартарии? Кстати язык инуитов (чукчей) был запрещён в США – интересно для чего? Так же запреты были и на Гавайский язык в 1820-х и на Шотландский язык.

Существует множество глобусов, даже в музеях, где Сибирь за Уралом и Часть северной америки обозначены как Gran Tartaria 
Вывод
Крепостной художник, поплывший в кругосветное путешествие, по правилам академии художеств, учился в ней с детства и не имел права покидать ее стен, и родители писали отказ от него.В кругосветном путешествии он увидел правду, а не то что показывала и рассказывала ему пропаганда по местным новостям(газетам). И эта реальность и действительность свела его с ума.Почему Кокоринов - ректор академии, решил так покончить с собой? Вероятно ему рассказали грандиозный план который ждет выпускников академии и что с ними предстоит делать. Кокоринов же рассказал об этом своей жене и дочери.Лосенко стал один из первых в этом плане. Нужно было по скорее работы Лосенко выставлять под чужим древним именитым именем. Почти все работы Лосенко сейчас утрачены и неизвестно где они, несмотря на то что есть документ по которому, все работы Лосенко были отданы и подарены Академии художеств.Но это только мое мнение.

Всем привет вышло новое видео на моем ютуб канале, в котором я рассказываю забытые очень интересные исторические факты о наших 4-х художниках, о которых уже почти забыли: Лосенко, Щедрин, Кипренский, Айвазовский.

Лосенко и Щедрин - уникальные интересные наши художники, и о них будут интересные захватывающие сведения, в которые даже сложно поверить.В этом видео вы узнаете за каким русским художником и его картинами бегали банкиры Ротшильды.  Каким нашим отечественным художником восхищались французские мыслители философы Дени Дидро и Фальконе. И даже как Дени Дидро приехал на похороны этого русского прославленного художника, чтобы отдать ему честь. Как наших художников поставили на ровне с Рафаэлем и Леонардо и многое другое.